“El jardín de Monet está considerado como una de sus obras maestras, la atractiva encarnación de la naturaleza adaptada al trabajo de un pintor de la luz”. Clemenceau. (Primer Ministro francés durante la Primera Guerra Mundial y amigo de Monet).

Claude Monet comenzó a pintar cuando era adolescente, bajo la dirección de Eugene Boudin en Le Havre, Francia. A los veinticuatro años fue aceptado en el Salón de París de la Academia de Bellas Artes , en su primer intento con el cuadro Pointe de la Heve en marea baja . Continuó pintando otros cuadros destinados al Salón, especialmente la obra de múltiples paneles Luncheon the Grass (1866) , que fue rechazada por sus cualidades “inacabadas”.

Buscando una alternativa al único lugar disponible para que los artistas exhibieran sus obras en ese momento (el Salón oficial patrocinado por el estado), un grupo de artistas alquiló un estudio y abrió su galería donde podían exhibir su arte de forma independiente. Cualquiera podía unirse a este grupo y exponer cuadros en el espacio alquilado, siempre que contribuyera con los sesenta francos de entrada para compensar los costes de alquiler del espacio situado en el número 35 del boulevard des Capucines.

Este grupo de artistas independientes incluía a Claude Monet, Mary Cassatt , Auguste Renoir, Edgar Degas , Berthe Morisot y Alfred Sisley . Rechazaron las reglas del Salón , que la pintura debía ser sólo de temas históricos o clásicos. Querían explorar temas como paisajes urbanos y momentos fugaces de la vida cotidiana, y no pintar únicamente utilizando la técnica de pinceladas invisibles sancionada por el Salón . Además, para otros que aún no han sido aceptados en el Salón conservador, el proceso podría llevar años.

La idea de abrir una galería independiente hoy no suena radical, pero en aquella época las galerías sólo mostraban obras de artistas no vivos. Abrir una galería independiente, independientemente del tema o la técnica pictórica, fue un acto subversivo en sí mismo.

Claude Monet, uno de los miembros fundadores del grupo, pintó Soleil Levant (Impresión, Amanecer), que se incluyó en la primera de estas exposiciones independientes en 1874.

Los críticos criticaron la primera muestra y calificaron el arte de abominación. El arte parecía bocetos, vislumbres y, por supuesto, parecía inacabado. Los críticos se apropiaron del título de Soleil Levant (Impresión, amanecer) de Monet y concluyeron que todas las pinturas de la exposición eran meras impresiones. No fue un cumplido. Pero en la década de 1880 los impresionistas adoptaron el nombre que les habían dado los críticos.

Monet se inspiró en los colores cambiantes de la interacción de la luz y la atmósfera en los ambientes al aire libre. Viajó por la campiña francesa y más allá para capturar momento tras momento de la misma escena en diferentes momentos del día, en diferentes climas, documentando el paso de las estaciones.

La primera esposa de Monet, Camille-Léonie Doncieux, vivió en su barrio de París y trabajó para él como modelo. Los dos tuvieron un hijo en 1866 y vivieron juntos en la pobreza, compartiendo un frío apartamento de una habitación, y a menudo dependían de amigos para las comidas. Se casaron en 1870. Para escapar de los acreedores, el impago del alquiler o el servicio militar obligatorio durante la guerra franco-prusiana, la pareja se mudó a La Havre, los Países Bajos y, finalmente, Inglaterra. Allí Monet y su amiga Camille Pissarro visitaron museos y discutieron los méritos de las obras de John Constable y Joseph Mallord William Turner . Estaban intrigados por la capacidad de Turner para capturar la blancura de la nieve sin usar mucha pintura blanca, sino más bien por la yuxtaposición de colores. Los paisajes ingleses se convirtieron en una inspiración para Monet, mientras trabajaba para desarrollar su paleta de colores, pintando muchas series de obras, incluidas las del Puente de Waterloo.

Monet pintó a Camille y a su hijo Jean en numerosas ocasiones, incluidas Camille Monet y su hijo en una colina y El campo de amapolas , en las que madre e hijo aparecen dos veces. Existen muchos retratos de Jean cuando era bebé y niño pequeño, incluidos La cuna y Jean Monet en su triciclo a caballo.

Después de la guerra, los tres regresaron a Francia para compartir una casa con un antiguo rico propietario de grandes almacenes y mecenas de Monet, Ernest Hoschede y su esposa, Alice. Camille tuvo un segundo bebé, lo que degradó su delicada salud. Gran parte del dinero que Monet ganó vendiendo pinturas en ese momento se destinó a pagar la atención médica de Camille. Alice Hoschede la cuidó durante su enfermedad y, después de su muerte, la familia Hoschede crió a los dos hijos de Monet junto con sus propios seis hijos. Ernest Hoschede quebró y se fue a Bélgica. Monet, Alice Hoschede y los ocho hijos se mudaron a un suburbio de París, lo que a Monet no le gustaba mucho. Un día de 1883, viajando en tren, Monet descubrió la zona de Giverny. Alquiló y finalmente compró la pequeña casa allí. Pasó el resto de su vida arreglando el jardín y ampliando la casa, pintando todo el tiempo. Cuando Ernest Hoschede murió en 1892, Alice y Monet se casaron.

Monet vivió en su casa de Giverny durante más de cuarenta años. Había estado viviendo en la casa y arreglando su jardín durante más de 15 años, creando el entorno perfecto, cuando pintó El jardín de flores en 1901.

El jardín de flores o en francés Le Jardin enfloruri es un óleo sobre lienzo, de 89 cm por 92 cm, 35 pulgadas por 36 pulgadas, y no llega a medir 3 pies de ancho por tres pies de alto.

Al igual que Pathways in the Garden , el Flowered Garden es una profusión de flores que llenan el lienzo de color y representan uno de los muchos caminos a través de la parte tradicional y más “inglesa” del jardín. Mientras Pathways tiene una vista del camino y la casa de frente, The Flowered Garden está dispuesto a lo largo de una fuerte diagonal. La línea más fuerte comienza en la esquina inferior derecha del lienzo, guiando la vista, junto con otra línea paralela desde el centro del lienzo, junto con el suelo moteado hasta la puerta de la casa. El jardín es una explosión de color, todo florece en lo que parece pleno verano. Casi podemos oler las rosas a la izquierda y apreciar la sombra que nos protege del intenso sol del verano. Cipreses y abetos se arquean sobre la pasarela y casi podemos escuchar nuestros zapatos crujir la grava del camino. La luz y la sombra, la luz del sol y la sombra cobran vida.

Los tonos oscuros de la sombra profunda de las ramas de los árboles contrastan con el frente brillantemente iluminado de la casa para darle una expresión dinámica a la pintura. Luces y sombras, colores opuestos que contrastan entre sí y la dramática diagonal hacen que este lienzo esté lleno de color y movimiento. La izquierda está iluminada por el sol mientras que la derecha disfruta de la sombra. Las pinceladas horizontales del camino yuxtaponen amarillos y naranjas cálidos a la luz del sol y tonos más fríos de púrpura, las áreas moteadas son tocadas por pinceladas ásperas del tono opuesto, dejando que otros colores brillen. Los colores más oscuros y cálidos acercan el camino directamente a nuestros pies. Las hileras de flores y árboles se alejan a lo largo del camino, marcando un ritmo que lleva nuestra mirada a la brillante fachada de la casa.

Los violetas y el morado, junto con su color opuesto al amarillo y al dorado, hacen que la pintura cante con vida. El cielo azul brillante se asoma entre las ramas de los árboles. En primer plano, donde las plantas y el camino están a la sombra, el azul y el naranja, también colores complementarios, nos llevan a recorrer el jardín. El jardín, como el cuadro, está lleno de senderos y macizos de flores, y los propios macizos de flores están llenos de flores sueltas y desbordantes. Durante los últimos veinte años de su vida, el jardín fue el tema exclusivo de Monet, pintando un entorno que él mismo había creado, planta por planta, color por color. En El jardín florido se unen las dos fascinaciones de Monet: el paisaje de plantas en flor del Clos Normand y la pintura.

Si visitas la casa de Monet en Giverny, su colección de grabados japoneses cuelga de las paredes de su casa y podrás ver cómo podrían haber influido en su trabajo. Monet vivía habitualmente junto al mar o en el campo, pero ocasionalmente venía a París. Estaba en París para la Exposición Universal de 1867 cuando el pabellón japonés expuso la obra de Hokusai. Las impresiones de Hokusai , incluidas Treinta y seis vistas del monte Fuji , pueden haber sido una inspiración para que Monet trabajara en series de pinturas.

Cuando Monet se mudó a su casa en 1883, el jardín era un pequeño huerto de árboles frutales y algunos macizos de flores, rodeado por un muro que bloqueaba la vista de las colinas vecinas y del valle del Sena. Inmediatamente hizo reducir la altura de las paredes para abrir la vista. Su visión era convertir el jardín en algo nuevo, algo diferente a los jardines muy cuidados que eran populares en ese momento, con setos recortados y césped liso. Su jardín está limpio, con senderos que cruzan macizos de flores, pero los macizos de flores son exuberantes y un poco salvajes. No se ven topiarios arreglados con formas de animales ni columnas griegas falsas.

El Jardín de Flores nos permite vislumbrar una versión temprana del jardín de Monet. El camino principal que iba hacia la casa estaba originalmente bordeado por abetos y cipreses que se ven en el lado derecho de la pintura. Monet finalmente hizo quitar los cipreses y los reemplazó con cinco arcos curvos de metal que abarcaban los senderos superiores. Los arcos pronto se cubrieron de glicinas y rosas, como las que vemos a la izquierda de El jardín de flores . Primero se redujo experimentalmente la altura de los abetos y luego se eliminaron por completo. Si El jardín de flores es el “antes”, Caminos en el jardín , pintado en 1902, es el “después”.

Cuando se mudaron a la casa por primera vez, Monet tenía ocho pequeños ayudantes para regar y cuidar el jardín con él. Al principio, él y los niños hacían todo el trabajo. A medida que su fama y el jardín se expandieron y crecieron, también lo hizo su ayuda. Finalmente construyó invernaderos y contrató hasta siete jardineros a la vez para cuidar las 100.000 plantas.

¿Cómo pintar un cuadro que sea a la vez descriptivo y expresivo? Para Monet, todo empezó en la costa de Normandía, donde permaneció durante un tiempo en Pouville. Allí pintó los acantilados, el agua, el cielo y la costa en diferentes momentos del día y es en esta serie de pinturas donde vemos emerger su genio y estilo singular: The Cliffwalk Pourville.

El clima a lo largo de la costa de Normandía cambia drásticamente y Monet pudo explorar todos sus estados de ánimo. Con niebla, sol, viento, oscurecidas por las nubes o deslumbrantemente brillantes por la luz del sol, las condiciones locales proporcionaron un paisaje en constante cambio para explorar. Más allá de Normandía, Monet continuó explorando cada matiz del agua y el cielo, las plantas y el aire que vemos en Álamos, efecto blanco y amarillo . Esta investigación se concreta una vez que está en su jardín.

Monet mezcló las flores de su jardín mientras mezclaba su pintura. En El jardín florido , vemos azul y naranja, violeta y amarillo, saturando el lienzo de color. Por los colores, sin siquiera conocer exactamente los detalles de las flores, casi podemos adivinar en qué época del año es. Rosas trepadoras rosadas en plena floración a la izquierda, puntos de zinnias, dalias, pinceladas de salvias y espinas de malvarrosas contribuyen al derroche de color en los macizos de flores. Las capuchinas se asoman en primer plano en el centro, todas ellas combinadas con la intensa luz del sol, para crear una escena a finales de junio o julio.

Al otro lado de su jardín lleno de flores, separado por una vía de tren, Monet diseñó y creó su jardín japonés. El estanque le permitió profundizar en otro de sus motivos favoritos, el de la luz sobre el agua. Desde que pintó la costa de Pourville, su interés por capturar la luz que juega en el agua, los reflejos y los destellos continuó mientras pintaba su estanque construido personalmente. Grabar el cielo reflejado entre las sombras de los sauces y las nubes que brillan entre los nenúfares: estos fueron sus únicos temas en su vida posterior. Sus pinturas evolucionaron a partir de la grabación del estanque japonés, el puente y las flores y se volvieron cada vez más abstractas, como vemos en Piscina con nenúfares. La vista de Monet también estaba fallando y, en algún momento, los detalles dejaron de importar.

“Debo tener flores, siempre y siempre”, dijo Claude Monet. Ya se trate de trabajos iniciales realizados en París, como el Boulevard de Capucines , donde organizó la primera exposición de impresionismo en una galería independiente, o de trabajos intermedios como El jardín florido , trabajos tardíos que son casi pura luminiscencia, el tema es siempre jamás: la luz. .

Claude Monet declaró: "Mi jardín es mi obra maestra más bella". En el Jardín de Flores florece su obra maestra.