Decoración de arte

Si necesita ayuda para combinar una pintura con sus diseños de interiores existentes, no busque más. Este breve recorrido lo llevará a través de diferentes estilos de época, diseños de muebles, movimientos de decoración de interiores y tendencias contemporáneas. Desde el arte japonés de los arreglos florales hasta los artículos de primera necesidad producidos en masa por Ikea, seguramente encontrará algo que se adapte a sus gustos y a su hogar.

Etapa 1 Ikebana

Comenzaremos este recorrido por los interiores domésticos populares, históricos, de moda y contemporáneos y cómo complementarlos con pinturas, con algo un poco fuera de lo común y completamente común. Ni un movimiento de decoración de interiores ni un estilo de mobiliario, comenzamos este recorrido con el Ikebana, el arte japonés de arreglar flores. Cualquier hogar bien cuidado seguramente será recibido con algún que otro ramo de flores; llenando el mejor jarrón sobre la repisa de la chimenea o dando calidez a la mesa de la cocina. Pero el arte japonés del Ikebana es más complejo, con reglas rígidas que describen la mejor manera de crear equilibrio con disposiciones formales y angulares.

Un atajo para alcanzar la perfección del Ikebana es colgar un kakemono en la pared y esperar la presencia de flores a medida que llegan. Un kakemono es un pergamino colgante tradicional montado con caligrafía o un diseño simple. Junto con los arreglos de Ikebana, el kakemono es una parte integral de la ceremonia del té en la cultura japonesa. Si nuestra elección de Kakemono no es adecuada para sus paredes, este estudio sorprendentemente elegante de grullas en vuelo del artista Suzuki Kiitsu seguramente complementará cualquier habitación floral.

Hanabusa Itcho, Kakemono Hanabusa Itcho, Kakemono
Escuela Sosen, Kakemono Escuela Sosen, Kakemono
Suzuki Kiitsu, biombo séxtuple que representa juncos y grúas del período Edo japonés Suzuki Kiitsu, biombo séxtuple que representa juncos y grúas del período Edo japonés

Etapa 2 arabesco

Muchas casas presentan arabescos sin que sus ocupantes lo sepan. Más tradicionalmente familiarizada con los vívidos diseños de los azulejos de las paredes, la madera tallada de la caligrafía árabe o el complejo tejido de las alfombras persas, la decoración arabesca originalmente pretendía ser un sustituto de la magia de la creación de Dios. Debido a las restricciones islámicas que prohibían la representación de formas humanas o animales, los primeros artistas islámicos tuvieron que ser creativos. El resultado fue un sistema de perfección geométrica asombroso e nunca antes visto que, en el mejor de los casos, parece una vista a la eternidad.

Si un rincón o una habitación exclusiva de su hogar presenta ricos diseños árabes que recuerdan al majestuoso Palacio de la Alhambra en España, entonces la pintura de Edwin Lord Weeks proporciona una suntuosa fantasía orientalista para agregar a la impresión. Para una vista menos occidental del palacio árabe en su apogeo, la visión impresionista de los terrenos de Frederick Childe Hassam minimiza notablemente los ricos diseños, permitiendo que los arabescos de su propia casa llenen los espacios en blanco. Pero para el encanto orientalista total, Arnaut Smoking de Jean-Léon Gérôme lo tiene todo; una cachimba, la celosía, la fascinación artística desenfrenada por el exotismo; proporcionando un equilibrio ideal a la sutileza de los diseños arabescos.

Edwin Lord Weeks, Un tribunal de la Alhambra en tiempos de los moros, 1876 Edwin Lord Weeks, Un tribunal de la Alhambra en tiempos de los moros, 1876
Federico Childe Hassam, La Alhambra, 1883 Federico Childe Hassam, La Alhambra, 1883
Jean-Léon Gérôme, Arnaut fumando, 1882 Jean-Léon Gérôme, Arnaut fumando, 1882

Etapa 3 El Barroco

El estilo barroco tenía que ver con la sobrecarga, el lujo y el dramatismo. En la decoración de interiores, su espíritu fue traducido por innumerables artesanos que se especializaron en diseños sinuosos de madera natural increíblemente ornamentados o follaje sinuoso expresado en oro o plata. Algunos consideran que el Barroco es llamativo y ciertamente, si no se equilibra con un cierto sentido de moderación, puede exagerar un poco. Pero debido a la pura extravagancia del Barroco, sería una tontería recomendar restarle importancia con algunas obras abstractas o modernas. Si lo que has elegido son crestas, querubines regordetes y grandeza dorada, entonces compra el billete y haz el viaje; Vaya barroco plus.

Las obras de Artemisia Gentileschi, que surgen del movimiento manierista, son más sobrias que las de artistas posteriores, pero aún conservan esa sensación de contemplación grandilocuente, alegoría y esplendor. Peter Paul Rubens construyó una carrera sobre la base de lograr lo imposible y creó imágenes religiosas, paganas y francamente vertiginosas de locura barroca desenfrenada. Pero Nicolas Poussin encontró una excelente manera de equilibrar el enfoque de Rubens y Gentileschi, e inició una tradición de pintura francesa que haría que el país eclipsara a Italia como corazón de la producción artística.

Artemisia Gentileschi, Susanna ei vecchioni (Susana y los ancianos), 1610 Artemisia Gentileschi, Susanna ei vecchioni (Susana y los ancianos), 1610
Peter Paul Rubens, La caída de los ángeles rebeldes, 1620 Peter Paul Rubens, La caída de los ángeles rebeldes, 1620
Nicolas Poussin, El éxtasis de san Pablo 1649-50 Nicolas Poussin, El éxtasis de san Pablo 1649-50

Chinoiserie etapa 4

Si tu casa está llena de pagodas, dragones estilizados y caligrafía china, entonces compartes los mismos gustos que muchos de tus antepasados ​​del siglo XVIII. En el siglo XVIII la chinoiserie estaba de moda y los objetos chinos inundaron una Europa hambrienta de todo lo que podían conseguir. La tendencia se expresó en gran medida en la seda y la porcelana, la última de las cuales se exportaba a Europa en cantidades absolutamente inmensas. Al darse cuenta rápidamente de la inclinación del mercado, muchos diseñadores británicos y franceses comenzaron a aprender a imitar los diseños chinos y crearon sus propias versiones híbridas. Muchas casas modernas todavía muestran la influencia de la chinoiserie. Si tiene una exhibición de jarrones de estilo asiático, porcelana o cualquier cosa en el icónico esquema de color azul claro y crema, entonces incluir un dragón, un pájaro estilizado o un paisaje ondulado complementaría perfectamente el arreglo.

El embalaje y embalaje de tazones y platos, placa 12 de una serie de doce que representa el proceso de fabricación de porcelana china. El embalaje y embalaje de tazones y platos, placa 12 de una serie de doce que representa el proceso de fabricación de porcelana china.
Dragón, portada del folio final de un libro de 10 tablillas, "La canción del cuenco de jade", escrito por el emperador Qianlong, 1745, chino Dragón, portada del folio final de un libro de 10 tablillas, "La canción del cuenco de jade", escrito por el emperador Qianlong, 1745, chino
Emperador Ch'in Wang Ti (221-206 a. C.) viajando en un palanquín, de una historia de los emperadores chinos Emperador Ch'in Wang Ti (221-206 a. C.) viajando en un palanquín, de una historia de los emperadores chinos

Etapa 5 Rococó

A principios del siglo XVIII, con la sutileza y el refinamiento de la estilo chinoiserie en la moda, los artistas barrocos comenzaron a reducir sus diseños extravagantes y decadentes. El resultado fue el rococó, que apareció en la decoración de interiores como igualmente ornamentado, elegante y fluido, pero con un mayor sentido de equilibrio, orden y una saludable dosis de humor. Las pinturas rococó se adaptarían bien a cualquier habitación con mucha madera oscura de alta calidad, tonos crema pálido y mármol, y textiles ricos y de tejido grueso. El columpio de Jean-Honoré Fragonard es puro encanto rococó. Si contemplar la profundidad cristalina del jardín no es suficiente, la trayectoria del delicado zapato rosa seguramente cautivará la atención.

Jean-Baptiste-Simeon Chardin, quizás burlándose de la seriedad de su Siglo de las Luces en El anticuario de los monos, fue un notable pintor de naturalezas muertas y retratos expresivos. Cualquier obra de esta influyente figura encajaría en una habitación rococó. Sin embargo, Jean-Antoine Watteau fue y sigue siendo considerado el pintor más destacado de la época rococó. Sus refinados paisajes, salpicados de juerguistas tranquilos y contentos, son un faro de refinamiento y elegancia.

Jean-Honoré Fragonard, El columpio, 1767 Jean-Honoré Fragonard, El columpio, 1767
Jean-Baptiste-Simeon Chardin, El mono anticuario, 1740 Jean-Baptiste-Simeon Chardin, El mono anticuario, 1740
Jean-Antoine Watteau, Reunión en un parque 1718 Jean-Antoine Watteau, Reunión en un parque 1718

Cerámica de la etapa 6

Para complementar los ricos y terrosos tonos pastel de la cerámica, vale la pena regresar al mundo ennegrecido por el humo de la Inglaterra de la era de la Revolución Industrial. Tras los inicios de la arqueología y el consiguiente interés por los diseños de cerámica de la antigua Grecia y Roma, un alfarero emprendedor llamado Josiah Wedgwood instaló su propia fábrica en 1759, en los albores de la Revolución Industrial. Sus métodos de fabricación de cerámica, así como sus impresionantes diseños, llevaron la cerámica a la corriente principal.

Un ramo en un jarrón Wedgwood Rosso Antico de Otto Didrik Ottesen, ambientado en un nicho muestra que incluso a finales del siglo XVIII los diseños de Wedgwood ya se consideraban dignos de aparecer en una obra de arte. Como defensor de toda la vida por la abolición de la esclavitud y bisabuelo de Charles Darwin, Wedgwood fue un verdadero buen samaritano en el diseño de adornos. Debido a su amor por las obras del pintor de animales George Stubbs, muchos de los diseños de Wedgwood presentaban copias de los temas de Stubbs. Una reproducción a tamaño real de una de sus pinturas sería un excelente recordatorio del papel social que alguna vez desempeñó el humilde arte de la cerámica.

Otto Didrik Ottesen, un ramo en un jarrón Wedgwood Rosso Antico, ubicado en un nicho Otto Didrik Ottesen, un ramo en un jarrón Wedgwood Rosso Antico, ubicado en un nicho
George Stubbs, un perro atacando a un ciervo George Stubbs, un perro atacando a un ciervo
George Stubbs, Chaqueta con silbato, 1762 George Stubbs, Chaqueta con silbato, 1762

Materiales de la etapa 7

Una corriente que se ha mantenido constante a lo largo de la historia de la decoración de interiores es el amor por los materiales, los textiles y los tapices voluminosos. Desde las casas medievales en adelante, los textiles han sido una parte importante del diseño del hogar y podemos garantizar que al menos una parte de su interior exclusivo contará con un conjunto de textiles que realmente complete la habitación. Si es así, ¿por qué no elegir un diseño atemporal como un escudo diseñado por Louis Saint-Ange-Desmaisons? Estas crestas han ido ganando popularidad a lo largo de los siglos, y este diseño se creó durante la era del estilo Imperio, donde el estilo neoclásico estaba de moda. Si algo moderno parece más apropiado, no hay nada más icónico que Mark Rothko, cuyos llamativos diseños abstractos se pueden encontrar encarnados en innumerables otros colores, matices y matices.

Esa sensación de minimalismo también se puede encontrar en Una mujer campesina de Kazimir Malevich, con un toque añadido de intensidad figurativa. Trabajos como este complementarán una estancia donde el elemento estrella sean los textiles sin desviar la atención.

Louis Saint-Ange-Desmaisons, Escudo de Italia, diseño para un tapiz, 1808 Louis Saint-Ange-Desmaisons, Escudo de Italia, diseño para un tapiz, 1808
Mark Rothko, Sin título (violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo), 1949 Mark Rothko, Sin título (violeta, negro, naranja, amarillo sobre blanco y rojo), 1949
Kazimir Severinovich Malevich, Una campesina, 1913 Kazimir Severinovich Malevich, Una campesina, 1913

Etapa 8 Neoclasicismo y estilo Imperio

Después de la Revolución Francesa y la coronación de Napoleón como Emperador de Francia, todos en Europa (incluso aquellos que estaban siendo atacados por los ejércitos franceses) se volvieron locos por el Imperio. El neoclasicismo había dominado la imaginación artística durante medio siglo, pero el estilo Imperio estaba más preocupado por extender la grandeza y la pompa del mundo antiguo a las casas, plazas y jardines de los grandes y los buenos. Si tiene un tema neoclásico en su hogar; Si tienes mucha piedra, mármol, diseños austeros y simples, o incluso una colección cada vez mayor de esculturas de estilo clásico, entonces las pinturas sobre el tema del estilo Imperio serían el complemento perfecto.

La pintura de Madame Récamier de Jacques Louis David llevó el estilo al ámbito de la moda, con la introducción del concepto de Silueta Imperio. Entre los diseñadores de interiores más famosos de la época se encontraba Charles Percier, cuyos estudios de investigación y preparación se pueden encontrar en nuestro catálogo. Ambos ejemplos aquí logran un equilibrio fascinante entre el boceto arquitectónico y el paisaje onírico surrealista; recordando al espectador las elevadas ambiciones del movimiento neoclásico que se aseguró de que pilares, columnas y grandes escaleras impresionaran en ciudades de todo el mundo.

Jacques Louis David, Madame Récamier 1800 Jacques Louis David, Madame Récamier 1800
Charles Percier, un patio romano visto desde una logia decorada con cascos antiguos sobre columnas compuestas y un sarcófago. Charles Percier, un patio romano visto desde una logia decorada con cascos antiguos sobre columnas compuestas y un sarcófago.
Charles Percier, Fragmentos de ruinas, diseño para una portada de la lámina 20 de Palais, Maisons et Autres Edifices Modernes, Dessines a Rome de Charles Percier y Pierre Francois Leonard Fontaine, pub. París, 1798 Charles Percier, Fragmentos de ruinas, diseño para una portada de la lámina 20 de Palais, Maisons et Autres Edifices Modernes, Dessines a Rome de Charles Percier y Pierre Francois Leonard Fontaine, pub. París, 1798

Estilo Regencia de la Etapa 9

Es comprensible que los británicos estuvieran aterrorizados por la Revolución Francesa. Después de perder sus colonias americanas, les preocupaba que pudiera ocurrir el mismo tipo de insurrección en casa. Por lo tanto, el estilo Neoclásico e Imperio se tradujo en una versión un poco más elegante y estilizada que era esencialmente británica. Las casas georgianas, con su característica grandeza tranquila, todavía se pueden encontrar en ciudades desde Londres hasta Boston. Quizás el ejemplo más famoso del estilo Regencia en el diseño arquitectónico sea la espectacular hilera curva de casas en Bath, en Inglaterra. Lansdown Crescent, Bath, de David Cox, muestra una vista del bloque cuando era nuevo y debe haber sido una vista absolutamente futurista para los ojos contemporáneos.

Para complementar su hogar de estilo Regencia, una pintura típica de la época reavivaría esa sensación de elevado encanto. Angelica Kaufmann fue una de las pintoras más famosas de la época de la Regencia, pero su popularidad se limitó a las clases altas. James Gillray, por otro lado, era popular en todos los ámbitos. Sus caricaturas son lo primero en lo que la mayoría de la gente piensa cuando imaginan el mundo del Londres georgiano.

Angélica Kaufmann, Una sibila, 1763 Angélica Kaufmann, Una sibila, 1763
James Gillray, caricatura que representa al coronel Justly Watson con el cuerpo de una bota James Gillray, caricatura que representa al coronel Justly Watson con el cuerpo de una bota
David Cox, Lansdown Crescent, Bath, 1820 David Cox, Lansdown Crescent, Bath, 1820

Etapa 10 Muebles Queen Anne y Chippendale

Cualquiera a quien le gusten los muebles antiguos y elegantes habrá oído hablar de Queen Anne y Chippendale. Estos dos nombres memorables son una señal de inmensa calidad, y aunque los originales a veces cuestan el precio de una casa, las imitaciones de alta calidad no son menos magníficas. Tanto los muebles Queen Anne como los Chippendale hicieron un uso saludable de la pata cabriole; un diseño inspirado en las patas de sillas y muebles que se ven en los antiguos murales romanos. La pata cabriolé, que se parece un poco a la pata curva de una cabra, se puede encontrar en muchas sillas, mesas, armarios, mesas de café y similares ornamentados. Para complementar este tipo de muebles elegantes, ¿por qué no pruebas a colgar un cuadro que recuerda a las antiguas mitologías de Grecia y Roma?

Lament for Icarus de Herbert James Draper es un buen ejemplo del tipo de dramas que impulsaron la imaginación de diseñadores como Chippendale. The Old Violin de Jefferson David Chalfant, por otro lado, proporciona un marcado equilibrio si se cuelga junto a una pieza de prestigio de madera oscura estilo Queen Anne o Chippendale.

Herbert James Draper, Lamento por Ícaro, 1898 Herbert James Draper, Lamento por Ícaro, 1898
Thomas Chippendale, diseño para un escritorio Thomas Chippendale, diseño para un escritorio
Jefferson David Chalfant, El viejo violín, 1888 Jefferson David Chalfant, El viejo violín, 1888

Etapa 11 Gótico moderno

El movimiento romántico fue impulsado por un nuevo redescubrimiento de la arquitectura, el folclore y los estilos artísticos medievales. En el diseño y la arquitectura del hogar, este renacimiento se conoció como gótico moderno y, a diferencia de algunas encarnaciones contemporáneas, no todo es terciopelo negro y calaveras. El interior de una casa con un toque gótico moderno puede incluir adornos pesados ​​de peltre, velas grandes con cera que gotea o combinaciones de colores más oscuros. A mediados del siglo XIX, los pintores ingleses prerrafaelitas convirtieron la moda medieval en una auténtica locura de diseño, ampliando los temas al medio de la ilustración, el diseño de interiores y la moda.

Cualquier hogar que muestre un poco de gótico moderno se beneficiaría de Mariana in the Moated Grange de Sir John Everett Millais, una verdadera rapsodia de la majestuosidad de la Edad Media. La modelo favorita de Dante Gabriel Rossetti, Jane Morris, como se ve aquí en su pintura Proserpina, ha sido durante mucho tiempo el rostro favorito de los diseñadores de interiores expertos, mientras que Hojas de otoño de Millais presenta tal variedad de tonos diferentes que sería difícil que no combinara con algo en una habitación moderna con tintes góticos.

Sir John Everett Millais, Mariana en Moated Grange, 1850-1 Sir John Everett Millais, Mariana en Moated Grange, 1850-1
Dante Gabriel Rossetti, Proserpina, 1874 Dante Gabriel Rossetti, Proserpina, 1874
Sir John Everett Millais, Hojas de otoño, 1855-6 Sir John Everett Millais, Hojas de otoño, 1855-6

Etapa 12 Artes y oficios

La icónica modelo prerrafaelita Jane Morris estaba casada con un diseñador de interiores inglés pionero llamado William Morris, quien fundó una firma que por sí sola impulsaría el movimiento Arts and Crafts en el diseño de interiores. Morris creía que sólo una sociedad justa y moral podía crear cosas hermosas, y sólo un trabajador feliz podía producir artesanía fina. Con esto en mente, inició la primera empresa de "comercio justo", produciendo diseños tradicionales ingleses con énfasis en salarios justos y buenas condiciones de trabajo. El estilo Arts and Crafts se extendió posteriormente a todos los aspectos del diseño de interiores, desde ventanas hasta casas enteras.

Las casas de Artes y Oficios, así como las casas de Tutor Revival, son estilos cada vez más populares. Inspirándose en las ilustraciones de los márgenes de los libros medievales "iluminados", los seguidores del movimiento prerrafaelita y simbolista a menudo pintaban murales en las paredes de los ricos propietarios de Arts and Crafts. El espectacular estilo de vidrieras de Sir Edward Coley Burne-Jones es una opción obvia y tiene el poder de convertir cualquier hogar de Tutor Revival en un potencial paraíso de las artes y las manualidades.

Otto Fischer, cartel para la exposición de artes y oficios en Dresde, Alemania Otto Fischer, cartel para la exposición de artes y oficios en Dresde, Alemania
Sir Edward Coley Burne-Jones, El peregrino en el jardín o El corazón de la rosa, 1896 Sir Edward Coley Burne-Jones, El peregrino en el jardín o El corazón de la rosa, 1896
Sir Edward Coley Burne-Jones, Amor entre ruinas Sir Edward Coley Burne-Jones, Amor entre ruinas

Etapa 13 Arquitectura Art Nouveau

Una de las muchas carreras que se vieron facilitadas por la locura de Arts and Crafts fue la del ilustrador inglés, Charles Rennie Mackintosh. Las ilustraciones de sus libros, así como una moda emergente por todo lo japonés, dieron origen a un nuevo movimiento en el diseño de interiores, el Art Nouveau. El Art Nouveau encontró inmediatamente su encarnación ideal en el diseño arquitectónico y se dejó llevar por las impresionantes curvas en forma de latigazo de Víctor Horta y Héctor Guimard.

Si tiene la suerte de tener el tipo de gustos suntuosos asociados con el lujo Art Nouveau, entonces la elección ideal de arte para colgar en las paredes es una muestra de uno de los diseños textiles de Charles Rennie Mackintosh, que aislados de su producto parecen abstractos. obra maestra, o uno de los deslumbrantes cuadros de Gustav Klimt. Klimt es conocido ahora como el ícono indiscutible de la pintura Art Nouveau. Su "período dorado" incluso desdibuja la línea entre decoración de interiores y pintura. Pero recomendaríamos uno de sus paisajes de inspiración bizantina, como El árbol de la vida o Un campo de amapolas, que parecen incluso más sugestivos de vastas riquezas que sus pinturas con copos de oro.

Charles Rennie Mackintosh, diseño textil Charles Rennie Mackintosh, diseño textil
Gustav Klimt, Un campo de amapolas, 1907 Gustav Klimt, Un campo de amapolas, 1907
Gustav Klimt, El árbol de la vida, 1909 Gustav Klimt, El árbol de la vida, 1909

Adornos Art Nouveau de la etapa 14

Los ornamentos Art Nouveau son mucho más comunes que los ejemplos arquitectónicos dedicados, por lo que es mucho más probable que, si le gusta el estilo, haya elegido expresarlo a través de algunas piezas de objeto de arte finamente elegidas. Dos ejemplos de cómo el legado del Art Nouveau ha sobrevivido hasta nuestros días se pueden ver en el trabajo de Louis Comfort Tiffany y el estilo Wiener Werkstätte. Tiffany Company, que aún es un nombre muy conocido en joyería y muebles para el hogar de lujo, fue la historia de éxito de la época. Sobrevivió con éxito al Art Nouveau y mantuvo su encanto glamoroso hasta bien entrado el período Art Déco. El propio hombre, Louis Comfort Tiffany, se dedicó al diseño de vidrieras, sin duda inspirado en el movimiento Arts and Crafts de William Morris.

Las lámparas Tiffany, con su sorprendentemente complejo equilibrio de luz, son la manifestación más famosa de su oficio. Mientras que en Europa, el Wiener Werkstätte, es decir, el Taller de Viena, era donde se producían los mejores adornos creados en la era del Art Nouveau. Sus utensilios de cocina en particular son atrevidos, estilizados y descaradamente extravagantes. Las obras de Koloman Moser, figura clave de la época, serían una elección ideal para cualquier cocina verdaderamente original.

Louis Comfort Tiffany, Cornejo Louis Comfort Tiffany, Cornejo
Koloman Moser, Las tres gracias, 1912 Koloman Moser, Las tres gracias, 1912
Koloman Moser, Calendario de Fromme, 1903 Koloman Moser, Calendario de Fromme, 1903

Etapa 15 De Stijl

Si eres fanático de los clásicos del diseño, seguramente habrás oído hablar de la 'Silla roja y azul' de Gerrit Rietveld. Es una obra maestra de vanguardia y un trabajo pionero de diseño hermoso y funcional. Claro, es un diseño común ahora, pero este era el original. Imagínate verlo por primera vez. El hecho es que si le gustan más los muebles y la decoración modernos, entonces sin duda tendrá algo inspirado en el diseño de Rietveld. Lo creó en paralelo con el movimiento De Stijl en Holanda.

El estilo surgió tanto del postimpresionismo como del cubismo, y fue uno de los primeros movimientos de vanguardia en dedicarse a la decoración de interiores. Cualquier mueble moderno, austero y minimalista combinaría perfectamente con una pintura de De Stijl. Pruebe Naturaleza muerta con manzanas de Theo van Doesburg, con un marco pintado integrado en la imagen, o cualquier cosa de Piet Mondrian, cuyos experimentos abstractos reconocibles al instante proporcionarían una sensación de equilibrio, desorden y asimetría en cualquier hogar moderno.

Gerrit Rietveld, Silla roja y azul, 1917 Gerrit Rietveld, Silla roja y azul, 1917
Theo van Doesburg, Naturaleza muerta con manzanas, 1916 Theo van Doesburg, Naturaleza muerta con manzanas, 1916
Piet Mondrian, Composición A, 1923 Piet Mondrian, Composición A, 1923
Piet Mondrian, Composición con gris y marrón claro, 1918 Piet Mondrian, Composición con gris y marrón claro, 1918

Muebles Art Déco de la etapa 16

Después de la época dorada del Art Nouveau anterior a la Primera Guerra Mundial, las décadas de 1920 y 1930 estuvieron dominadas por el Art Déco. Surgido del cubismo, el Art Déco enfatizó las formas geométricas, los diseños elegantes y estilizados y dio especial prioridad a ciertos materiales como la madera de nogal y la baquelita. Como uno de los estilos renacentistas más populares en el ámbito de la decoración de interiores contemporánea, el Art Déco se destaca más por su uso exuberante de metal cromado, piedra de color negro intenso y monumentalidad de estilo egipcio. Para realzar la sensación de glamour Art Déco sin elegir una pintura abiertamente Art Déco, los estudios neoclásicos de Arthur Hacker son una buena elección.

Pero si lo que busca es diversión en la era del jazz, Farewell de Georges Barbier es una alegre celebración de esta era de glamour sin igual. Mientras que el cuadro de William Ablett de 1920, The Flapper, resume a la perfección la actitud y la vestimenta de los nuevos estilos femeninos que iban de la mano con los interiores Art Déco.

Arthur Hacker, un skyphos, un kylix, una jarra de vino y un collar egipcio ante un friso griego, sobre azulejos de mármol. Arthur Hacker, un skyphos, un kylix, una jarra de vino y un collar egipcio ante un friso griego, sobre azulejos de mármol.
Georges Barbier, Adiós 1920 Georges Barbier, Adiós 1920
William Ablett, La aleta, 1920 William Ablett, La aleta, 1920

Etapa 17 Bauhaus

Pero no fue hasta 1928, cuando el estilo Art Déco estaba verdaderamente arraigado en las masas, que realmente comenzó la era moderna del diseño de interiores. Mientras trabajaba en una escuela de arte alemana llamada Bauhaus, Marcel Breuer diseñó otra silla clásica, la silla voladiza de acero tubular conocida como Wassily. Este diseño austero y sencillo, así como una serie de lámparas icónicas, convirtieron el estilo Bauhaus en un nombre muy conocido. Ya en la década de 1930, las obras de decoración de interiores de la Bauhaus eran materia de arte elevado, como puede verse en la fina visión de Tibor Boromisza de la bohemia y la modernidad. La escuela Bauhaus creó la definición de las artes aplicadas y la incorporación del diseño a los objetos cotidianos.

Su legado se puede ver en cada diseño moderno, cada remodelación de la cocina y cada silla plegable. Para acompañar cualquier hogar repleto de diseños inteligentes y temas minimalistas, pruebe las obras de Paul Klee y Wassily Kandinsky, cuyo enfoque de la abstracción y la belleza ayudó dan forma a muchas de las ideas que impulsaron la escuela Bauhaus.

Marcel Breuer, Silla Wassily, modelo B3, 1925-6 Marcel Breuer, Silla Wassily, modelo B3, 1925-6
Tibor Boromisza, mujer joven con cuadro geométrico y lámpara Bauhaus, años 30 Tibor Boromisza, mujer joven con cuadro geométrico y lámpara Bauhaus, años 30
Paul Klee, Segelschiffe, Den Sturm Abwartend (Veleros esperando la tormenta), 1917 Paul Klee, Segelschiffe, Den Sturm Abwartend (Veleros esperando la tormenta), 1917
Wassily Kandinsky, Línea continua, 1923 Wassily Kandinsky, Línea continua, 1923

Etapa 18 Vintage y Shabby Chic

Si hay algo que está dominando los gustos de los interioristas de todo el mundo es el estilo shabby chic y la revolución vintage. Durante la última década, la moda vintage ha pasado de los bohemios amantes de las tiendas de segunda mano a las tiendas de muebles de todo el mundo. Incluso los diseñadores de papel pintado se han sumado a la iniciativa. Si bien lo vintage y lo shabby chic son muy difíciles de definir como un estilo coherente, implican una buena cantidad de colores pastel, nostalgia retrospectiva y algo de angustia de papel de lija y pincel. Una obra maestra en colores pastel en ambos sentidos de la palabra, Blue Dancers de Edgar Degas conserva una sensación de frescura bohemia al tiempo que mantiene sus credenciales de bellas artes. Su ángulo único, estilo instantánea, también le da una sensación de desequilibrio que funcionaría bien en una habitación vintage.

Los carteles de películas retro solían ser reserva de coleccionistas dedicados, pero debido a la moda vintage ahora se pueden comprar en la mayoría de los mercados callejeros del vecindario. Si desea que su hogar realmente destaque, pruebe el cartel de Kazimir Malevich de 1926 para la película muda Doctor Mabuzo, o el cartel de Mieczyslaw Szczuka del mismo año que inició un largo linaje de carteles de cine polaco.

Edgar Degas, Bailarines azules, c.1899 Edgar Degas, Bailarines azules, c.1899
Kazimir Severinovich Malevich, cartel de la película Doctor Mabuzo, 1926 Kazimir Severinovich Malevich, cartel de la película Doctor Mabuzo, 1926
Mieczyslaw Szczuka, Estudio de carteles, 1926 Mieczyslaw Szczuka, Estudio de carteles, 1926

Etapa 19 Moderno, producido en masa y minimalista

Aún no hemos dicho la palabra, pero sabías que vendría: ¿y Ikea? Aunque pueda adornar los hogares de medio mundo, Ikea no es nada de lo que avergonzarse. Puede que sea desalmado y producido en masa, pero también es verdaderamente igualitario: todos tenemos lo mismo. El diseño moderno, minimalista y producido en masa surgió del deseo de la Bauhaus de que los diseños hermosos y funcionales se abrieran paso en la vida cotidiana. Todo empezó cuando el diseñador escandinavo Alvar Aalto creó un taburete apilable de tres patas que promovió la industrialización masiva de muebles sencillos y utilizables. Para realzar el atractivo de cualquier hogar amueblado por Ikea, lo mejor es fijarse en las pinturas abstractas, no figurativas y experimentales de la vanguardia europea de principios del siglo XX.

El cartel de propaganda soviética de El Lissitzky, Derrota a los blancos con la cuña roja, también es ideal para una habitación ensamblada por Ikea, ya que parece como las instrucciones jeroglíficas de ensamblaje del paquete plano. Pero para un clásico impecable, Blanco y negro en azul de 1962 de Mark Rothko es un tributo perfecto a Ikea, ese gran bloque de construcción azul que a todos nos encanta odiar. El cuadro furutista de Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, de 1913, sigue siendo sorprendentemente moderno un siglo después de haber sido pintado por primera vez.

Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, 1913 Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista, 1913
El Lissitzky, Derrota a los blancos con la cuña roja, 1919 El Lissitzky, Derrota a los blancos con la cuña roja, 1919
Mark Rothko, Blanco y negro en azul, 1962 Mark Rothko, Blanco y negro en azul, 1962

Etapa 20 Mezclar y combinar

Pero si, como muchos de nosotros, desea decorar una habitación que sea una combinación de algunos o todos los estilos anteriores, entonces existe una gran variedad de opciones. De hecho, elegir la pintura adecuada para una habitación variada y mixta tiene el potencial de unir la habitación y unir todos los elementos dispares en un todo coherente. Los estilos artísticos decoupage y collage funcionarían perfectamente en una habitación como esta. Ambas son el arte de recortar cosas y volver a pegarlas en un todo nuevo, sorprendente y refrescante. Algunas de las mejores obras posteriores de Henri Matisse se completaron en estilo decoupage, en particular su serie Desnudo azul de 1952. En cuanto al collage, algunos de los primeros modernistas hicieron carreras enteras a partir del estilo de cortar y pegar, mientras que otros, como Juan Gris y Marcel Duchamp, incorporaron el estilo de collage de cortar y pegar en sus obras maestras cubistas.

Henri Matisse, Desnudo azul IV, 1952 Henri Matisse, Desnudo azul IV, 1952
Juan Gris, Pipa y periódico Fantomas, 1915 Juan Gris, Pipa y periódico Fantomas, 1915
Marcel Duchamp, Autorretrato de perfil, 1957 Marcel Duchamp, Autorretrato de perfil, 1957