Art Nouveau

El Art Nouveau dominó el arte y el diseño occidentales desde la década de 1880 hasta la Primera Guerra Mundial y combinó la decoración de interiores, la arquitectura y la pintura en un reflejo triunfante, decadente y verdaderamente sublime de una época que pronto sería arrasada por la catástrofe. La era conocida como la "época hermosa" o la "gran borrachera" fue una era de ambición industrial, grandes diseños y crecimiento. Por primera vez, la vida pública se expresó a través de la publicidad, el color y los productos que los nuevos ricos podían conseguir, y el Art Nouveau fue lo que hizo que todo sucediera.

ETAPA 1 Diplomacia de cañoneras al impresionismo

El brillante, caricaturesco, expresivo y sensual mundo del Art Nouveau comenzó, por extraño que parezca, con una de las primeras intervenciones militares internacionales de Estados Unidos. Después de años de ceder, el shogun japonés se vio obligado a firmar un tratado comercial con los Estados Unidos después de que las cañoneras del comodoro Perry entraran siniestramente en la bahía de Tokio en 1853. Después de años de aislamiento voluntario del orden mundial del comercio y la diplomacia, Japón había sido obligado por la fuerza. abierto al público. A partir de este momento, el arte occidental sufriría cambios dramáticos causados ​​por los objetos, pinturas y arte popular inusuales que repentinamente llegaron desde Japón.

Hokusai, Yoshida en la carretera Tokaido (Tokaido Yoshida), 1834 Hokusai, Yoshida en la carretera Tokaido (Tokaido Yoshida), 1834
Hokusai, Viento del sur en el claro amanecer (Gaifu kaisei), 1834 Hokusai, Viento del sur en el claro amanecer (Gaifu kaisei), 1834

Esta revolución en las artes visuales se conoció como japonismo y fue impulsada por innumerables coleccionistas desconocidos de cosas bellas. Inicialmente, las impresiones en madera conocidas como ukiyo-e, que se consideraban imágenes comerciales y populares, se utilizaban como papel de embalaje para artículos más caros. Varios artistas comenzaron a notarlos en la década de 1870, incluido uno de los fundadores del impresionismo, Edgar Degas, y comenzaron a acumular su propia colección de este elegante papel de regalo. En 1874 se celebró en París el primer impresionismo independiente. Las amplias y luminosas zonas de color completadas por una sensación de perspectiva aplanada no habrían existido sin un papel de embalaje especialmente bello.

Pierre Auguste Renoir, Paraguas, 1881-6 Pierre Auguste Renoir, Paraguas, 1881-6
Edgar Degas, Bailarines de azul, 1890 Edgar Degas, Bailarines de azul, 1890

ETAPA 2 Artes y Oficios

Los primeros brotes verdes del movimiento Art Nouveau en las artes decorativas se encuentran en la fundación de Morris & Co en Inglaterra en 1875. El artista William Morris, asociado al grupo prerrafaelita y con gusto por todo lo medieval , puso en marcha un proceso que se conocería como el movimiento Arts and Crafts, el primer estilo de diseño de base en la historia del arte. Al igual que los posmodernistas un siglo después, el movimiento Arts and Crafts promovió el “arte por el arte” y el redescubrimiento de la artesanía tradicional con una estética del bricolaje.

William Morris, membrillo de verano, década de 1880 William Morris, membrillo de verano, década de 1880
William Morris, Colcha de caléndula, 1875 William Morris, Colcha de caléndula, 1875

Morris & Co. creía en lo que se conoció como "reforma del diseño", que protestaba contra los productos industriales producidos en masa y la desaparición de los estilos de diseño tradicionales ingleses. En su reacción ante la modernidad y el rechazo de la tecnología, buscaron inspiración en la época medieval. Poco a poco, Morris se convertiría en uno de los socialistas más destacados y progresistas de la época victoriana, creyendo que sólo un trabajador contento y bien tratado podía crear un objeto verdaderamente hermoso. Para él, sólo una sociedad justa y equitativa podría producir objetos de valor artístico. Produciendo de todo, desde muebles hasta jarrones, el movimiento Arts and Crafts llevó la decoración y el diseño a la vanguardia del pensamiento artístico progresista.

William Frend De Morgan, un gran jarrón Iznic, decorado al estilo damasco con pavos reales entre follaje estilizado, 1888 William Frend De Morgan, un gran jarrón Iznic, decorado al estilo damasco con pavos reales entre follaje estilizado, 1888
William Frend De Morgan, Un gran jarrón con balaustre de estilo Isnik, 1890 William Frend De Morgan, Un gran jarrón con balaustre de estilo Isnik, 1890

ETAPA 3 Les XX

La primera vez que el término "Art Nouveau" entró en el vocabulario cultural fue para describir el trabajo de un grupo de postimpresionistas belgas conocidos como Les Vingt, o "los veinte". Siguiendo el espíritu del movimiento Arts and Crafts, Les Vingt, fundado por Octave Maus y dirigido por el pintor Fernand Khnopff, estaba formado tanto por diseñadores como por pintores. En 1884, el popular periódico belga L'Art Moderne describió al grupo como "art nouveau"; un nuevo arte de reforma, unidad y experimentación. Al igual que los románticos, Les Vingt se inspiraron en la arquitectura de Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc, quien defendía una "obra de arte total" que fusionaría pintura, escultura y diseño.

Fernand Khnopff, El arte o La esfinge o Las caricias 1896 Fernand Khnopff, El arte o La esfinge o Las caricias 1896
Raymond Auguste Quinsac Monvoisin, Retrato de Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, década de 1850 Raymond Auguste Quinsac Monvoisin, Retrato de Eugène Emmanuel Viollet-le-Duc, década de 1850

Otro momento histórico en la prehistoria del Art Nouveau fue la construcción e inauguración de la Torre Eiffel en el poder. Iniciada en 1887, la torre se completó en 1889, lista para la Exposición Universal de París. La obra maestra de Gustave Eiffel fue un triunfo impresionante de la herrería y la construcción modernas y un símbolo de la modernidad. Fue el edificio más alto del mundo durante más de cuarenta años y, aunque en gran medida despreciado por los parisinos, llegó a encapsular un espíritu nuevo y ambicioso y el deseo de realizar obras de arte público costosas y a gran escala.

Francois Geoffroy Roux, Celebración en la noche de la Exposición Universal de 1889 en la explanada de los Campos de Marte, 1899 Francois Geoffroy Roux, Celebración en la noche de la Exposición Universal de 1889 en la explanada de los Campos de Marte, 1899
Georges Seurat, La Torre Eiffel, 1889 Georges Seurat, La Torre Eiffel, 1889

ETAPA 4 Adornos y Objetos

En los Estados Unidos, durante la década de 1880, estaba surgiendo una figura poderosa que llevaba el arte del diseño de interiores a nuevas alturas. Louis Comfort Tiffany había comenzado su carrera como pintor y había creado algunas obras orientalistas muy logradas. Pero a finales de la década de 1870 se dedicó a las vidrieras y la decoración de interiores. A mediados de la década de 1880, recibió el encargo de diseñar la nueva Casa Blanca y fundó su propio estudio de cristalería, Tiffany Studios. Su trabajo se caracterizó por el tipo de estilo ornamental grandilocuente que haría que el Art Nouveau fuera tan reconocible.

Louis Comfort Tiffany, Paisaje otoñal, 1923 Louis Comfort Tiffany, Paisaje otoñal, 1923
Louis Comfort Tiffany, Vista de Oyster Bay, 1923 Louis Comfort Tiffany, Vista de Oyster Bay, 1923

La fama de Tiffany y su inmensa presencia en la vida cultural estadounidense duraron toda la era Art Nouveau y evolucionaron sin esfuerzo hacia el sutil glamour del Art Déco. Tiffany acaparó casi todos los medios posibles y añadió su huella distintiva a adornos y objetos tan variados como cerámica, iluminación y joyería. Podría decirse que Tiffany logró lo que tantos románticos europeos habían defendido: una obra de arte total que incorporaría la belleza salvaje del mundo natural. Al igual que el Art Nouveau, las líneas florales arremolinadas y las flores ondulantes de los diseños de Tiffany serían el epítome del glamour en las décadas venideras.

Louis Comfort Tiffany, dibujo de trabajo para pantalla de amapola, 1900 Louis Comfort Tiffany, dibujo de trabajo para pantalla de amapola, 1900
Louis Comfort Tiffany, diseño para revestimiento de repisa de mosaico en la residencia de la Sra. Louis G. Kaufman, Short Hills, Nueva Jersey, 1911 Louis Comfort Tiffany, diseño para revestimiento de repisa de mosaico en la residencia de la Sra. Louis G. Kaufman, Short Hills, Nueva Jersey, 1911

ETAPA 5 Aubrey Beardsley

El inicio del Art Nouveau suele fecharse en 1893, con la publicación de ilustraciones del artista inglés Aubrey Beardsley en la primera entrega de una nueva revista llamada The Studio. El estilo absolutamente único y personal de Beardsley estaba empezando a despertar el interés de los editores de libros astutos, y le habían pedido que decorara una nueva edición de Morte D'Arthur de Malory con más de 300 diseños diferentes. También se había hecho amigo cercano del poeta y figura de la sociedad inglesa Oscar Wilde, cuyo infame drama Salomé se estrenaría en francés. Wilde admiró mucho el trabajo de Beardsley en The Studio y le pidió que ilustrara a Salomé. Estos prestigiosos encargos y la variedad de trabajos exigidos hicieron que las impresionantes imágenes en blanco y negro de Beardsley provocaran una apreciación instantánea.

g" alt="Aubrey Vincent Beardsley, La danza del estómago, de 'Salomé' de Oscar Wilde, 1893"> Aubrey Vincent Beardsley, La danza del estómago, de 'Salomé' de Oscar Wilde, 1893
Aubrey Vincent Beardsley, El baño de Salomé, ilustración para la edición inglesa de la obra de Oscar Wilde "Salomé", 1894 Aubrey Vincent Beardsley, El baño de Salomé, ilustración para la edición inglesa de la obra de Oscar Wilde "Salomé", 1894
Aubrey Vincent Beardsley, El baño de Salomé, ilustración para la edición inglesa de la obra de Oscar Wilde "Salomé", 1894 Aubrey Vincent Beardsley, El baño de Salomé, ilustración para la edición inglesa de la obra de Oscar Wilde "Salomé", 1894

Incluso antes de que Beardsley alcanzara la prominencia, una forma vívida de ilustración tradicional y popular estaba surgiendo como precursora del Art Nouveau. El trabajo de Walter Crane muestra la estima que tienen los editores por los diseños finamente elaborados en sus libros. Comenzando con los prerrafaelitas, como Dante Gabriel Rossetti, que a menudo incluían sus ilustraciones en ediciones de poetas ingleses contemporáneos, la ilustración de libros se consideraba una forma de reconectarse con el arte medieval de las historias y los libros sagrados iluminados.

Walter Crane, La Bella Durmiente, 1897 Walter Crane, La Bella Durmiente, 1897
Aubrey Vincent Beardsley, The Climax, ilustración de 'Salomé' de Oscar Wilde, 1893 Aubrey Vincent Beardsley, The Climax, ilustración de 'Salomé' de Oscar Wilde, 1893
Walter Crane, El príncipe rana y la doncella, 1874 Walter Crane, El príncipe rana y la doncella, 1874

ETAPA 6 Los creadores de La Belle Époque

La Bella Époque; "La hermosa era" entre la década de 1870 y el estallido de la Primera Guerra Mundial fue una larga borrachera. No sólo el arte aparecía en todos los rincones de la vida pública; en estaciones de tren, cafés, carteles y tiendas, pero los narcóticos hoy clasificados como drogas altamente adictivas se podían conseguir sin receta en cualquier farmacia del barrio. Era una época extraña y hermosa para estar vivo, y el espíritu de La Belle Époque fue capturado en su apogeo por dos figuras, Siegfried Bing y Henri de Toulouse-Lautrec. Bing era un coleccionista y marchante de arte inspirado. Estaba obsesionado por el japonismo y el arte japonés y abrió su propia tienda en París para vender sus mejores descubrimientos a una clientela adinerada. Su tienda, inaugurada en 1893, se llamó Maison de l'Art Nouveau y convirtió el estilo emergente en un nombre muy conocido.

La Casa del Art Nouveau de Siegfried Bing, década de 1880 Casa de estilo Art Nouveau de Siegfried Bing, década de 1880
Interior de la Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing, década de 1880 Interior de la Maison de l'Art Nouveau de Siegfried Bing, década de 1880

Si Bing fue el vendedor de la "época bella", Henri de Toulouse-Lautrec, cuyas obras decoraban el interior de la Maison de l'Art Nouveau, fue el pintor de la "gran borrachera". Su Jane Avril en el Jardín de París, un cartel que anuncia la actuación de una famosa bailarina de cabaret, es la obra más emblemática del Art Nouveau temprano. Toulouse-Lautrec documentó con ojo perspicaz y afectuoso el inframundo bohemio de alcohólicos, bailarines y prostitutas que se congregaban en Montmartre de París cada noche. Su popularidad como cartelista, produciendo obras que se vieron en todo París y no sólo en galerías de élite, ayudó a convertir el Art Nouveau en un movimiento públicamente reconocible.

Henri De Toulouse-Lautrec, Jane Avril, Jardín de París, 1893 Henri De Toulouse-Lautrec, Jane Avril, Jardín de París, 1893
Henri de Toulouse-Lautrec, Moulin Rouge La Goulue, 1891 Henri de Toulouse-Lautrec, Moulin Rouge La Goulue, 1891

ETAPA 7 Arquitectura

La arquitectura Art Nouveau, probablemente la encarnación más memorable de este estilo, comenzó con el trabajo del arquitecto belga, Victor Horta. Su primer encargo importante fue diseñar la casa de Emile Tassel. Horta incorporó todas sus nuevas ideas en esta creación increíblemente ambiciosa, introduciendo las características curvas de "latigazo cervical", herrajes amorfos y características ornamentadas y sorprendentes. En París, un arquitecto que trabajaba en el estilo popular medieval había comenzado a diseñar el Castel Béranger. De visita en Bruselas, el arquitecto Héctor Guimard visitó la nueva creación de Horta. Descartó todos sus planes y convirtió el Castel Béranger en una imitación de la casa Tassel.

Victor Horta, Escalera de la Casa de la Borla, Bruselas, 1893 Victor Horta, Escalera de la Casa de la Borla, Bruselas, 1893
Héctor Guimard, Castel Béranger, 1893 Héctor Guimard, Castel Béranger, 1893
Hector Guimard, Comedor en l'hôtel Guimard Hector Guimard, Comedor en l'hôtel Guimard

Si una obra de diseño tan innovador podía cambiar tan rápidamente la opinión de un arquitecto destacado, era seguro que el Art Nouveau se impondría. Combinado con los valores progresistas del movimiento Arts and Crafts, artistas, diseñadores y arquitectos comenzaron a considerar el nuevo movimiento como la encarnación de un deseo de décadas de una "obra de arte total" que combinara medios y formas. Esta nueva unidad de las bellas artes y las artes decorativas se logró en los lugares más inofensivos. El diseño de Charles Rennie Mackintosh para los salones de té de Buchanan Street es un ejemplo de la rapidez con la que el Art Nouveau se hizo visible en todo tipo de lugares públicos.

Charles Rennie Mackintosh, Diseño preliminar para la decoración mural de la sala del primer piso de los salones de té de Miss Cranston en Buchanan Street, 1904 Charles Rennie Mackintosh, Diseño preliminar para la decoración mural de la sala del primer piso de los salones de té de Miss Cranston en Buchanan Street, 1904
Charles Rennie Mackintosh, La revista musical escocesa, 1896 Charles Rennie Mackintosh, La revista musical escocesa, 1896

ETAPA 8 Música

Desde el momento en que se acuñó el nombre de Art Nouveau, la música jugó un papel clave en su desarrollo. Las primeras exposiciones de Les Vingt presentaron una mezcla de actuaciones multimedia y multidisciplinarias, desde poesía hasta música. Los conciertos celebrados en las exposiciones de Les Vingt incluyeron las primeras actuaciones de Claude Debussy, cuya composición de 1894 L'après-midi d'une faune es una obra maestra de diseño auditivo que complementa perfectamente las elegantes curvas en forma de latigazo cervical del estilo Art Nouveau.

Georges Marie Rochegrosse, Frontispicio de Pelleas y Melisande, de Claude Debussy 1862-1918 y Maurice Maeterlinck 1862-1949 Georges Marie Rochegrosse, Frontispicio de Pelleas y Melisande, de Claude Debussy 1862-1918 y Maurice Maeterlinck 1862-1949
G Claude Debussy, L'après-midi d'une faune, 1894

Debussy rechazó enérgicamente las conexiones entre su obra y el impresionismo, pero parecía tener sólo un prejuicio contra la pintura. La "obra de arte total" del Art Nouveau debe haber complacido sus gustos, ya que incorporó versiones musicales de los diseños "arabescos" que inspiraron e impulsaron las ilustraciones, diseños arquitectónicos y ornamentos de una nueva generación de artistas aplicados. Otro músico que compartió su carrera inicial con la del Art Nouveau fue Erik Satie, cuyas sublimes Gymnopédies están tan envueltas en un encanto místico como cualquiera de los planos de Horta.

Santiago Rusinol i Prats, El retrato bohemio de Erik Satie en su estudio de Montmartre, 1891 Santiago Rusinol i Prats, El retrato bohemio de Erik Satie en su estudio de Montmartre, 1891
Erik Satie - Gymnopédie No.1, 1888

ETAPA 9 Cine

Aunque el Art Nouveau no tuvo la misma permanencia, compartió su nacimiento y desarrollo con otra innovación impresionante y profundamente moderna: el cine. En 1895, los hermanos Lumière proyectaron la primera película cinematográfica y, aunque el medio no se convertiría en una forma de arte respetada hasta dentro de tres décadas, todavía compartía muchas cualidades con el Art Nouveau. Ambos fueron productos del imparable motor de la industrialización, uno como reacción a él y el otro como consecuencia directa.

Desde el movimiento Arts and Crafts en adelante, los artistas se habían resistido a la llegada de la era de las máquinas en favor de la artesanía y las formas tradicionales. El cine, tan espectacular y dinámico como cualquier diseño Art Nouveau, fue hijo de la industrialización; una máquina capaz de capturar un momento fugaz y no sólo preservarlo sino reproducirlo durante un período determinado. Pero tanto el cine como el Art Nouveau dependían de explotar la fascinación del público por el movimiento, la modernidad y el progreso. Compartieron protagonismo en la Exposición Universal de París de 1900, pero pocos predecirían con precisión cuál de los dos tendría una vida útil más larga.

ThLos hermanos Lumière - Primeras películas (1895)
H. Brispot, Cartel publicitario del 'Cinematographe Lumière', 1896 H. Brispot, Cartel publicitario del 'Cinematographe Lumière', 1896
Francois Flameng, Cartel publicitario del Phono Cinema Theatre para la Exposición Universal, 1900 Francois Flameng, Cartel publicitario del Phono Cinema Theatre para la Exposición Universal, 1900

ETAPA 10 Un estilo natural

Tanto los gustos minoristas como las selecciones finamente seleccionadas de L'Art Nouveau de Siegfried Bing y la suntuosa decoración de Louis Comfort Tiffany tenían una base compartida: el amor por los estilos, las formas y las formas misteriosas del mundo natural. Para una generación de diseñadores, este interés por los patrones y diseños naturales de los seres orgánicos provino, en primer lugar, del compromiso romántico con un "retorno a la naturaleza" y, en segundo lugar, de los estudios de la vida, las exploraciones botánicas y las vívidas ilustraciones que se encuentran en los libros del biólogo Ernst Heinrich. Haeckel.

Anémonas de mar de Kunstformen der Natur (Formas de arte de la naturaleza) de Ernst Haeckel de 1904 Anémonas de mar de Kunstformen der Natur (Formas de arte de la naturaleza) de Ernst Haeckel de 1904
Placas de Kunstformen der Natur (Formas de arte de la naturaleza) de Ernst Haeckel (1904) Placas de Kunstformen der Natur (Formas de arte de la naturaleza) de Ernst Haeckel (1904)

El éxito de Artforms of Nature de Haeckel había sido precedido por otros estudios naturales como los de Augustus Welby Northmore Pugin, el arquitecto neogótico responsable de las Casas del Parlamento en Londres, y The Grammar of Ornament del teórico romántico Owen Jones. Junto con la obra más destacada e influyente de John Ruskin, la generación del Art Nouveau se había criado con la creencia de que, al descubrir y reproducir una vida fluida, orgánica y perfecta, el arte podía reflejar la libertad y los ritmos de la naturaleza.

Théophile Alexandre Steinlen, Reapertura del Cabaret Chat Noir, 1896 Théophile Alexandre Steinlen, Reapertura del Cabaret Chat Noir, 1896
E. Mulier, Letreros de tiendas Art Nouveau 1903 E. Mulier, Letreros de tiendas Art Nouveau 1903

ETAPA 11 Postimpresionismo, Simbolismo y Les Nabis

Si bien el popular cartel público de Toulouse-Lautrec ayudó a lanzar el Art Nouveau a los ojos del peatón parisino, en la esfera de las bellas artes la conexión entre el nuevo movimiento de diseño ornamental y la pintura es un poco más compleja. Ciertamente, las pinturas postimpresionistas de Van Gogh y Paul Gauguin habrían causado una gran impresión en Toulouse-Lautrec y habrían ayudado a combinar la perspectiva halagada y las líneas curvas del japonismo con una dirección psicológica más intensa al espectador.

Vincent Van Gogh, La Berceuse, Retrato de Madame Roulin, 1888 Vincent Van Gogh, La Berceuse, Retrato de Madame Roulin, 1888
Paul Gauguin, Mujeres tahitianas bañándose, 1892 Paul Gauguin, Mujeres tahitianas bañándose, 1892

El postimpresionismo estuvo acompañado por el estilo simbolista, que se manifestó en un grupo derivado llamado Les Nabis, un grupo de jóvenes artistas que se consideraban profetas espirituales. Les Nabis creían firmemente en una forma de arte que difuminaría las líneas entre pintura, ornamentación y decoración. Esta expresividad y confianza estilística llevaron a la creación de formas estilizadas, elegantes y expresivas que se dibujaron en la forma mínima y económica de la impresión en madera japonesa.

Paul Elie Ranson, Dedaleras, 1899 Paul Elie Ranson, Dedaleras, 1899
Pierre Bonnard, La Revue Blanche. 1894 Pierre Bonnard, La Revue Blanche. 1894

ETAPA 12 La Secesión de Viena

Cuando el Art Nouveau estaba firmemente arraigado en la mentalidad de los europeos comunes, apareció un grupo de artistas y convirtió las líneas fluidas y las curvas "latigazo" en un arte de decadencia imposible. Los secesionistas de Viena fueron un grupo de artistas austriacos que unieron fuerzas en 1897 con el objetivo de organizar exposiciones e invitar a artistas extranjeros a exponer en Viena. Sus esfuerzos por revertir el aburrido y serio estado del arte austriaco convirtieron la capital en el hogar espiritual de una vida elegante, una cultura de café y la grandeza del Art Nouveau. Su miembro más famoso y primer presidente fue el pintor Gustav Klimt, cuyas primeras obras aparecían regularmente en la revista del grupo, 'Ver Sacrum'.

Gustav Klimt, Palas Atenea 1898 Gustav Klimt, Palas Atenea 1898
Gustav Klimt, dibujo de dos emblemas para Ver Sacrum (Nuda Veritas) 1898 Gustav Klimt, dibujo de dos emblemas para Ver Sacrum (Nuda Veritas) 1898

Tan solo un año después de su fundación, los secesionistas de Viena decidieron diseñar su propia sede y encargaron al arquitecto Josef Olbrich que trabajara en su creación. El Edificio de la Secesión de 1898 es el primer manifiesto en forma de edificio y tenía como objetivo proclamar al mundo las aspiraciones e intenciones del movimiento de Secesión. Klimt incluso decoró el edificio con una de sus primeras obras más notables, su Friso de Beethoven. La arquitectura siempre había sido una parte integral del Art Nouveau, pero un nuevo grupo de diseñadores; Olbrich, Josef Hoffman y Otto Wagner llevaron la elegancia ornamental a nuevas alturas. En algunas partes de Europa, el estilo se conoció como "estilo anguila" debido a su similitud con los tendones resbaladizos de una anguila.

Josef Olbrich, Palacio de la Secesión, 1898 Josef Olbrich, Palacio de la Secesión, 1898
Gustav Klimt, El friso de Beethoven Las potencias hostiles. Muro lejano, 1902 Gustav Klimt, El friso de Beethoven Las potencias hostiles. Muro lejano, 1902

ETAPA 13 Las Exposiciones de la Secesión

La primera exposición de los secesionistas de Viena tuvo lugar en marzo de 1898, presentando obras de talentos locales así como diseños de artistas internacionales que el grupo admiraba. Los secesionistas vieneses eran tan intrincados en su atención al detalle que sus exposiciones son incluso recordadas por el diseño y el método innovadores de exhibición que, en su enfoque minimalista, ha influido en la forma en que se presenta el arte hasta el día de hoy. El grupo llegó a dominar los últimos años del siglo XIX y ayudó a impulsar muchas carreras. La aparición de Charles Rennie Mackintosh en la octava exposición Secession fue un triunfo particular.

Charles Rennie Mackintosh, La vela, 1900 Charles Rennie Mackintosh, La vela, 1900
Charles Rennie Mackintosh, Parte vista, parte imaginada, 1896 Charles Rennie Mackintosh, Parte vista, parte imaginada, 1896

Gustav Klimt, que recibió el encargo de decorar el techo del Gran Salón de la Universidad de Viena, estrenó sus diseños en las exposiciones de la Secesión de Viena. Sus elecciones de diseños fueron dedicaciones al arte y el oficio de la educación misma. Titulada Filosofía, medicina y jurisprudencia, Klimt quedó claramente impactado por la condena masiva y el escándalo provocado por sus obras. Consideradas pornográficas, las obras de Klimt nunca adornarían la Universidad y Klimt nunca más aceptó aceptar un encargo público. Siempre portadoras de mal gusto, las SS nazis destruyeron las pinturas en 1945.

Gustav Klimt, Estudio de Filosofía, 1898-9 Gustav Klimt, Estudio de Filosofía, 1898-9
Gustav Klimt, Medicina, (destruido) Gustav Klimt, Medicina, (destruido)
Gustav Klimt, Filosofía, (destruido) Gustav Klimt, Filosofía, (destruido)

ETAPA 14 Literatura

El Art Nouveau siempre había tenido sus raíces en la ilustración y el diseño de libros, desde las ilustraciones grabadas de poesía prerrafaelitas hasta el extraordinario y único J'ai baisé ta bouche lokanaan de Aubrey Beardsley para la versión francesa de la obra de teatro Salomé de Oscar Wilde. También había encontrado su impulso y pasión por las imágenes del mundo natural a partir de estudios biológicos impresos entre mediados y finales del siglo XIX. Los tratados de arquitectura y los estudios de la arquitectura gótica medieval también proporcionaron un modelo para el estilo que más tarde conectaría directamente la arquitectura y la ilustración. El diseño de Arthur Heygate Mackmurdo para el libro Wren's City Churches fue uno de los primeros momentos destacados. Del esteticismo al simbolismo, el Art Nouveau siempre había sido tanto un arte de la palabra como un arte del interior.

Aubrey Beardsley, 'J'ai baise ta bouche, Jokanaan (Besé ​​tu boca, John)', 1894 Aubrey Beardsley, 'J'ai baise ta bouche, Jokanaan (Besé ​​tu boca, John)', 1894
Portada del libro de Arthur Mackmurdo, Wren's City Churches, 1883 Portada del libro de Arthur Mackmurdo, Wren's City Churches, 1883

Una manifestación regional del Art Nouveau puso en primer plano la literatura más que simplemente el diseño de libros, y expresó las paradojas de la modernidad y la industrialización. El modernismo español adoptó un enfoque innovador en la narrativa y la narración y compartió muchos rasgos comunes con el movimiento decadente. El movimiento se centró en un bar conocido como Els Quatre Gats, dirigido por Ramon Casas y Pere Romeu, y creció a la sombra de la distintiva iglesia de la Sagrada Familia del arquitecto Antoni Gaudí, cuya construcción comenzó en 1882 y permanece incompleta hasta el día de hoy. El espíritu ambicioso del Art Nouveau sigue vivo.

Ramon Casas, Autorretrato de Casas con Pere Romeu en tándem, 1897 Ramon Casas, Autorretrato de Casas con Pere Romeu en tándem, 1897
Iglesia de la Sagrada Familia de Antoni Gaudí, 1882 Iglesia de la Sagrada Familia de Antoni Gaudí, 1882

ETAPA 15 El Fin de Siécle

La belle époque, la gran borrachera; realmente fue una era de eras. A medida que el siglo llegaba a su fin y el siglo XX avanzaba, la era pasó a ser conocida como el "Fin de Siècle", el "fin de siglo", un término que organizaba muchos impulsos culturales, desde el Simbolismo hasta el Art Nouveau, en una sola categoría. De la misma manera que la gente se puso histérica por el virus del milenio a principios del siglo XXI, quienes vivían a finales de la década de 1890 sintieron que su era estaba llegando a su fin y que lo que estaba por venir sólo podía ser producto de la decadencia. , degeneración y desastre. Tendrían razón, la belleza y la ansiedad no durarían demasiado.

Henri De Toulouse-Lautrec, En la cama: El beso, 1892 Henri De Toulouse-Lautrec, En la cama: El beso, 1892
Henri De Toulouse-Lautrec, bailarina sentada con medias rosas, 1890 Henri De Toulouse-Lautrec, bailarina sentada con medias rosas, 1890

La sensación de ansiedad y pesimismo, y la creencia de que una civilización industrial construida sobre el progreso, el crecimiento y la ornamentación conduciría a la decadencia y la decadencia, se resumió mejor en el movimiento literario Decadente y Esteticista. El escritor irlandés Oscar Wilde expresó esta ideología del pesimismo de forma elegante y elocuente.

Henri de Toulouse-Lautrec, Óscar Wilde, 1895 Henri de Toulouse-Lautrec, Óscar Wilde, 1895
Edvard Munch, El grito, 1893 Edvard Munch, El grito, 1893

ETAPA 16 París, 1900

A pesar de sus características curvas y formas alargadas, el Art Nouveau rara vez podía verse como un todo coherente. Llegó su momento en la Exposición Universal de París de 1900, una feria mundial que incluía un pabellón dedicado a Siegfried Bing, un pabellón dedicado a la famosa bailarina Loïe Fuller, cuya Danza de los Velos era muy conocida, y el debut de la icónica estación de metro de París de Hector Guimard. entradas. Eran tan reconocibles que el movimiento incluso llegó a ser conocido en París como Le Style Métro durante un breve tiempo. En la feria de París de 1900 el fin de siècle llegó a su punto crítico. Fue el apogeo de la belle époque y el punto culminante de la era Art Nouveau.

Héctor Guimard, entrada de la estación de Metro, 1900 Héctor Guimard, entrada de la estación de Metro, 1900
Henri De Toulouse-Lautrec, Loie Fuller en La danza de los velos, 1893 Henri De Toulouse-Lautrec, Loie Fuller en La danza de los velos, 1893
Danza serpentina - Loie Fuller, 1896

Varios edificios construidos especialmente para el evento fueron los proyectos más ambiciosos de la era Art Nouveau. La entrada de la Porte Monumentale, diseñada por René Binet, contaba con innumerables bombillas electrónicas que deslumbraban y cautivaban la atención de los visitantes y creaban una danza cegadora de luz y color. La feria de 1900 anunció los logros de Francia y aseguró que la reputación parisina de artesanía fina, elegancia y glamour impresionante durara hasta bien entrado el siglo XX.

Félix Edouard Vallotton, La Exposición Universal, 1900 Félix Edouard Vallotton, La Exposición Universal, 1900
René, Binet, La porte monumentale, Exposición Universal 1900 René, Binet, La porte monumentale, Exposición Universal 1900

ETAPA 17 Gustav Klimt

Pero el período más memorable del Art Nouveau se produjo algunos años después de la feria de París de 1900. Gustav Klimt, habiéndose negado a aceptar más encargos públicos tras el escándalo de la Universidad de Viena, había estado ocupado cumpliendo innumerables y prestigiosos encargos privados para pintar retratos de la jet-set vienesa. élite. Este período fue conocido como su "Fase Dorada", cuando utilizó pan de oro en su pintura para enfatizar la sensación de grandeza e imitar las pinturas religiosas de la antigua Bizancio. Había comenzado a utilizar pan de oro en su Palas Atenea de 1898 y en su Judith I de 1901, pero es su Retrato de Adele Bloch-Bauer I de 1907 y su obra icónica El beso terminada un año después, lo que sería reconocido como el punto culminante de la decoración ornamental. , lujoso estilo Art Nouveau.

Gustav Klimt, El beso, 1908 Gustav Klimt, El beso, 1908
Gustav Klimt, retrato de Adele Bloch Bauer I, 1907 Gustav Klimt, retrato de Adele Bloch Bauer I, 1907

Tal era el prestigio y la posición de Klimt que se le concedió una exposición individual en la Bienal de Venecia de 1910, un festival entonces como ahora la fecha más importante del calendario cultural. Mostró su Judith II y presentó la exposición en el estilo minimalista creado por las Exposiciones de la Secesión de Viena para realzar los efectos de las pinturas mostradas.

Exposición individual de Gustav Klimt, 1910, en la Bienal de Venecia Exposición individual de Gustav Klimt, 1910, en la Bienal de Venecia
Gustav Klimt, Judith II, 1901 Gustav Klimt, Judith II, 1901

ETAPA 18 Mucha y la escuela checa

El Art Nouveau floreció una vez más antes de la Primera Guerra Mundial con las obras de Alphonse Mucha, quien hizo de Praga, la capital checa, brevemente la nueva capital del estilo Art Nouveau. Sin embargo, a diferencia de los hábitos arquitectónicos franceses, la escuela checa tendía a centrarse en las fachadas de los edificios, más que en su diseño real. A pesar de este enfoque superficial, se pueden encontrar ejemplos de Art Nouveau en toda la impresionante ciudad gótica, mezclándose, contrastando y yuxtaponiéndose con el medievalismo de piedra quemada de la capital.

Estación de tren de Praga, 1901-9 Estación de tren de Praga, 1901-9
Alphonse Maria Mucha, Coro de Maestros de Moravia, 1911 Alphonse Maria Mucha, Coro de Maestros de Moravia, 1911

Hoy Praga está estrechamente relacionada con las obras de Mucha. El artista saltó a la fama por primera vez durante la feria de París de 1900, después de haber diseñado gran parte del Pabellón de Bosnia y Herzegovina y aportado su experiencia a la creación del Pabellón de Austria. A pesar de ser el artista tardío del Art Nouveau más de moda e imitado, Mucha intentó repetidamente deshacerse de la etiqueta, diciendo en cambio que su trabajo era parte de un Renacimiento Nacional Checo más amplio impregnado de tradiciones más antiguas.

Alfonso María Mucha, Otoño, 1897 Alfonso María Mucha, Otoño, 1897
Alfonso María Mucha, La Luna. De la serie La Luna y las Estrellas. 1902 Alfonso María Mucha, La Luna. De la serie La Luna y las Estrellas. 1902

ETAPA 19 El rito de la primavera

El modernismo, el movimiento que transformaría el siglo XX al aceptar el mundo cambiante y privilegiar la función sobre la forma, aplastó el Art Nouveau. El modernismo tuvo muchos antepasados, pero a menudo se dice que su primera aparición real fue el estreno en 1913 del ballet de Igor Stravinsky Le sacre du printemps, The Rite of Spring. Entre el público estaban los músicos relacionados con el Art Nouveau, Maurice Ravel y Claude Debussy, y las futuras estrellas de la escena modernista Marcel Proust, Pablo Picasso y Gertrude Stein. Apenas había comenzado la actuación cuando estalló un disturbio, con el público dividido por la mitad en su agradecimiento por el trabajo.

Pablo Picasso, Retrato de Ígor Stravinsky, 1920 Pablo Picasso, Retrato de Ígor Stravinsky, 1920
Sección fDe la Consagración de la Primavera de Igor Stravinsky: "Danza del Sacrificio"

El ballet ya había comenzado a tender un puente entre el Art Nouveau y un cambio emergente en las artes escénicas. Los diseños de León Bakst para los Ballets Rusos de Diaghilev fusionaron el esplendor barroco con la ornamentación del Art Nouveau. La Consagración de la Primavera de Stravinksy fue recordada vívidamente por todos los primeros modernistas presentes, y la escena del ballet emergente inspiró directamente la creación de algunas de las pinturas más innovadoras y formativas del Modernismo, como La Danza de Henri Matisse de 1909.

Leon Bakst, Un traje boeciano diseñado para los Ballets Rusos de Diaghilev, probablemente para 'Narcisse', 1911 Leon Bakst, Un traje boeciano diseñado para los Ballets Rusos de Diaghilev, probablemente para 'Narcisse', 1911
Henri Matisse, La danza, 1909 Henri Matisse, La danza, 1909

ETAPA 20 El fin de Viena

En 1914, el archiduque de Austro-Hungría Francisco Fernando fue asesinado en Sarajevo, lo que puso en marcha una cadena de acontecimientos que señalarían el estallido de la Primera Guerra Mundial. En el corazón geográfico de este nuevo conflicto, los talleres y estudios de Viena dejaron de producir sus productos. y la lujosa ornamentación asociada con el Art Nouveau ya no estaría permitida en una época de racionamiento de guerra y producción de armamento. Un alumno de Gustav Klimt, Egon Schiele, personificó este cambio en tiempos de guerra, cuando las formas onduladas y alargadas se asociaron no con el lujo y la libertad sino con el miedo y la expresión psicológica.

Egon Schiele, Mujer sentada con la rodilla doblada, 1917 Egon Schiele, Mujer sentada con la rodilla doblada, 1917
Egon Schiele, El abrazo, también conocido como amantes II, 1917 Egon Schiele, El abrazo, también conocido como amantes II, 1917

Después de los estragos de la Primera Guerra Mundial, el Art Nouveau desapareció. En su lugar llegó un estilo rígido, refinado y austero conocido como Art Déco, expresado en la pintura de Tamara de Lempicka y defendido como una nueva opción de estilo de vida en revistas desde París hasta Nueva York. El Art Nouveau había sentado las bases para una obra de arte total que abarcaba decoración, bellas artes y arquitectura. Fue una respuesta al surgimiento de la modernidad y, a pesar de su corta vida útil, ardió intensamente en la historia del diseño, el arte y la ambición cultural. Era disfuncional, sensual, ornamentado, exagerado y elitista. Pero desde entonces nunca ha habido una forma decorativa que alude tan naturalmente a la fina artesanía, la imaginación y el lujo.

Tamara de Lempicka, Retrato del marqués Sommi, 1925 Tamara de Lempicka, Retrato del marqués Sommi, 1925
Pierre Mourgue, La hora del té en el café Portiques des Champs-Elysees, placa de moda de la revista Femina, 1921 Pierre Mourgue, La hora del té en el café Portiques des Champs-Elysees, placa de moda de la revista Femina, 1921
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