El Nuevo Testamento en el arte

Desde que la Iglesia Bizantina utilizó pinturas para conectar al hombre con Dios, el cristianismo ha sido una de las fuentes más ricas de temas para los artistas. En el Nuevo Testamento se pueden descubrir los fundamentos de muchas de las historias, leyes y frases que se mezclan con la mezcla de la vida cotidiana. Desde los milagros de Cristo hasta la Revelación del Juicio Final, los pintores desde la época medieval hasta los albores del Modernismo han recurrido a la Biblia como fuente primaria de drama humano, salvación y esperanza.

Etapa 1 Juan el Bautista

Aunque el Nuevo Testamento es en gran medida un relato del nacimiento, la predicación, los milagros y el martirio de Jesucristo, la narrativa bíblica del Hijo de Dios está precedida por el nacimiento de otra figura importante. La infancia de Juan Bautista aparece sólo en el Evangelio de Lucas y no menciona su amistad con el niño Jesús. Sin embargo, artistas de todos los tiempos han explorado e imaginado a la pareja cuando eran niños pequeños, perdidos en un mundo de inocencia e ingenuidad mientras la Virgen María observa, consciente del camino divino de al menos uno de los dos. Juan Bautista fue sin duda un individuo carismático y pionero, y como tal se presenta en la dinámica descripción de Leonardo. En general, se acepta que Jesús fue un seguidor de las enseñanzas de Juan el Bautista, y que Juan bautizó a Jesús y "preparó el camino" para sus enseñanzas posteriores. La sorprendente pintura de Andrea Solari describe el fin último de Juan Bautista; asesinado por capricho de Salomé, la hija de Herodes.

William-Adolphe Bouguereau, La Vierge, L'Enfant Jesus et Saint Jean Baptiste (La Virgen, el Niño Jesús y San Juan Bautista), 1875 William-Adolphe Bouguereau, La Vierge, L'Enfant Jesus et Saint Jean Baptiste (La Virgen, el Niño Jesús y San Juan Bautista), 1875
Leonardo Da Vinci, San Juan Bautista 1513-16 Leonardo Da Vinci, San Juan Bautista 1513-16
Andrea Solari, La cabeza de San Juan Bautista, 1506-7 Andrea Solari, La cabeza de San Juan Bautista, 1506-7

Etapa 2 Natividad: El Nacimiento de Jesús

La marcha hacia Belén, un establo; Es bien conocida la historia de la Natividad, el nacimiento de Jesús. Jean-Baptiste-Marie Pierre, pintor rococó anterior a la Revolución Francesa, encuadra la escena con un estilo típicamente grandioso y ornamentado. Ubicado en el marco tradicional, un establo, los espectadores se maravillan ante la luz divina que emana del niño Cristo. En años posteriores, los pintores destacarían los orígenes humildes del nacimiento, la gruta en ruinas y los padres cansados ​​y andrajosos, pero no Pierre. James Jacques Joseph Tissot se basó en el influyente estilo orientalista para imaginar a los Reyes Magos bíblicos; los tres reyes magos, como jeques árabes que atraviesan las llanuras desérticas en anticipación del encuentro con el Hijo de Dios. Los hijos de la tierra, los habitantes más terrenales de su tierra, también visitaron al niño Jesús. William Brassey Hole describe la anunciación a los pastores de manera similar a la de Pierre, pero con los pastores mirando hacia la aparición divina que les había anunciado la buena noticia.

Jean-Baptiste-Marie Pierre, Natividad, 1767 Jean-Baptiste-Marie Pierre, Natividad, 1767
James Jacques Joseph Tissot, Viaje de los Reyes Magos, 1894 James Jacques Joseph Tissot, Viaje de los Reyes Magos, 1894
William Brassey Hole, Un ángel que anuncia a los pastores de Belén el nacimiento de Jesús, década de 1880 William Brassey Hole, Un ángel que anuncia a los pastores de Belén el nacimiento de Jesús, década de 1880

Etapa 3 Vuelo a Egipto

Casi tan pronto como los Magos entregaron sus regalos y partieron, los nuevos padres, María y José, y el niño Cristo, se vieron obligados a huir a Egipto. En un siniestro eco de los peligros que llevaron a Moisés a ser arrastrado por el Nilo, el rey Herodes decidió masacrar a todos los bebés recién nacidos en la zona después de enterarse del nacimiento milagroso. Como el exilio y la migración son temas clave tanto en el Antiguo como en el Nuevo Testamento, los artistas deseosos de capturar el dolor de la partida y la desolación del exilio han representado la Huida a Egipto en innumerables ocasiones. La escena un tanto onírica de George Hitchcock se centra en la extensión de matorral que la familia atraviesa por primera vez, mientras que Luc-Olivier Merson escenifica su escena en el punto de llegada. Debajo de la Esfinge los cansados ​​viajeros se desploman, la extensión del desierto hace eco de su sensación de desesperación. Sin embargo, una de las primeras pinturas de Caravaggio aprovecha la oportunidad para conectar este momento de reposo y contemplación con la época del propio artista. La presencia del violín y las partituras vinculan el drama de la primera infancia de Jesús con las experiencias cotidianas de la época de Caravaggio.

George Hitchcock, La huida a Egipto, 1892 George Hitchcock, La huida a Egipto, 1892
Luc-Olivier Merson, Descanso en la huida a Egipto, 1879 Luc-Olivier Merson, Descanso en la huida a Egipto, 1879
Caravaggio, Descanso en la huida a Egipto, 1597 Caravaggio, Descanso en la huida a Egipto, 1597

Etapa 4 Masacre de los inocentes

Lo que siguió a la decisión del rey Herodes de asesinar a todos los bebés recién nacidos en su reino se conoce como la Masacre de los Inocentes, y es sin duda uno de los episodios más brutales y dolorosos del Nuevo Testamento. La historia fue popular entre los pintores desde el Renacimiento temprano hasta la época rococó, a quienes les gustaba utilizar la sensación de terror, el atroz derramamiento de sangre y la sensación de pánico para experimentar con nuevas formas de representar el espacio, el movimiento y la fuerza expresiva. La pintura de Peter Paul Rubens es un ejemplo de esta sensación de pánico que parece curiosamente agradable a la vista debido a la inteligente composición y esquema de color del artista. La interpretación de Nicolas Poussin, por el contrario, se debe más al estilo dramático de Caravaggio. Todas las miradas se centran en la desesperación en el rostro de la madre y en la retorcida batalla física entre los dos protagonistas. La interpretación de Léon Cogniet de 1824 es aún más reflexiva, con el gesto inquietante entre madre e hijo amplificado por la palidez del gris en ambos rostros. El espectador sólo puede esperar que su historia termine bien.

Peter Paul Rubens, Masacre de los inocentes c. 1637 Peter Paul Rubens, Masacre de los inocentes c. 1637
Nicolas Poussin, La masacre de los inocentes, 1626-7 Nicolas Poussin, La masacre de los inocentes, 1626-7
Léon Cogniet, Escena de la masacre de los inocentes, 1824 Léon Cogniet, Escena de la masacre de los inocentes, 1824

Etapa 5 Vida temprana de Jesús

La vida temprana de Jesús apenas se menciona en los relatos de sus predicaciones. Después de su autoexilio y regreso, la familia de María y José se estableció en Nazaret, volviendo a la normalidad y viviendo las siguientes décadas, al parecer, en relativa normalidad. William Charles Thomas Dobson describe a Jesús siendo sostenido, un tanto torpemente, por su padre, todavía adorando a su guardián terrenal hasta bien entrada la adolescencia. Cuando creció y conoció a pensadores de ideas afines, Jesús finalmente fue bautizado por Juan el Bautista, en un nuevo ritual diseñado para lavar los pecados. El Greco, a su manera única, describe el evento como una sinfonía de formas estilizadas y arremolinadas que se elevan hacia los cielos en un elegante ascenso hacia arriba. Una de las primeras veces que Jesús se vio obligado a poner a prueba su temple fue en este período inmediatamente posterior a su bautismo, donde ayunó durante cuarenta días y cuarenta noches en los desiertos de Judea. Su fuerza y ​​su fe fueron puestas a prueba repetidamente por el diablo y, después de superar esta prueba, quedó imbuido de la confianza para enfrentar nuevos desafíos.

El Greco, El bautismo de Cristo, 1608-28 El Greco, El bautismo de Cristo, 1608-28
William Charles Thomas Dobson, Jesús regresa a Nazaret con sus padres, 1856 William Charles Thomas Dobson, Jesús regresa a Nazaret con sus padres, 1856
Ary Scheffer, La tentación de Cristo, 1854 Ary Scheffer, La tentación de Cristo, 1854

Etapa 6 Jesús y los discípulos

La reunión de sus seguidores más dedicados, conocida como el Llamado de los Discípulos, comenzó cuando Jesús realizó una muestra milagrosa de influencia divina. Después de predicar a una pequeña multitud, Jesús caminó junto al agua junto al lago de Genesaret y entabló conversación con algunos pescadores. El pintor renacentista Konrad Witz retrata con un estilo refinado y austero el momento en que Jesús preguntó por su captura diaria. Al enterarse de su mala suerte, les dijo que echaran sus redes una vez más al lago, y al hacerlo, sus redes se llenaron de peces. Este milagro le valió a Jesús tres de sus seguidores que se convertirían en figuras esenciales de la historia del Nuevo Testamento: Pedro, Santiago, Andrés y Juan. Bernardo Strozzi describe el mismo acontecimiento pero omite por completo el río, un barco o cualquier pez. Su esfuerzo se basa más en atraer a sus futuros seguidores a una relación de confianza. Caravaggio, en uno de sus lienzos más famosos, La vocación de San Mateo, retrata la vocación de un recaudador de impuestos a quien Jesús le ordenó que lo siguiera. El artista desentraña la historia, ambientando la escena en una taberna oscura del pecado iluminada por la luz de Cristo.

Konrad Witz, La pesca milagrosa 1443-44 Konrad Witz, La pesca milagrosa 1443-44
San Pedro y San Andrés, 1620"> Bernardo Strozzi, La vocación de San Pedro y San Andrés, 1620
Caravaggio, Vocación de San Mateo, 1599-1600 Caravaggio, Vocación de San Mateo, 1599-1600

Etapa 7 Sermón del Monte

El llamamiento de Mateo fue un momento importante en la vida adulta temprana de Jesucristo. Mateo escribiría más tarde el Evangelio de Mateo, su relato de la vida y las pruebas que compartieron, que contendría algunos de los dichos y sermones más importantes relacionados con las enseñanzas de Jesús. El Sermón de la Montaña es uno de los discursos más importantes y recitados con frecuencia, y da voz a muchas de las frases tan estrechamente asociadas con el Nuevo Testamento. Claude Lorrain, pintor pionero en la tradición del paisaje, naturalmente da prioridad al paisaje ondulado más que al sermón en sí. Aparentemente ambientada en la Francia natal de Lorrain y no en la Palestina bíblica, la pintura recuerda al espectador los orígenes humildes y las pequeñas audiencias que recibirían los sermones de Jesús. Tanto Odilon Redon como Bela Onodi toman el evento como una puerta de entrada a una forma más moderna de pensar sobre la difusión del conocimiento, la ética y los valores, despojando la forma humana de sus elementos más básicos y dejando que el mensaje pulsante de luz y esperanza impregne el espacio. marco.

Claude Lorrain, El sermón de la montaña, 1656 Claude Lorrain, El sermón de la montaña, 1656
Odilon Redon, El Sermón Odilon Redon, El Sermón
Bela Onodi, Sermón de la montaña 1911 Bela Onodi, Sermón de la montaña 1911

Etapa 8 Jesús en la tormenta

A medida que crecía el ministerio de Jesús, también crecía la frecuencia de sus milagros. Estos acontecimientos milagrosos, que a veces calman el mundo natural y otras violan sus leyes, siempre han sido la fuente de material favorita de los pintores. Quizás el más conocido de los lienzos de Rembrandt, aunque trágicamente una pintura robada y perdida desde 1990, representa uno de esos milagros. El calmamiento de la tormenta en el mar de Galilea aparece en los evangelios de Marcos, Lucas y Mateo, y relata el momento en que Jesús ordenó que el viento y las olas se calmaran. Sus seguidores, para los cuales hasta ese momento era simplemente un maestro, quedaron asombrados por los poderes divinos de Jesús sobre la naturaleza. Pintadas con cuatro siglos de diferencia, las interpretaciones de la escena de Jan The Elder Brueghel y Eugene Delacroix se centran en el poder sublime, temible y furioso de la tormenta más que en el drama humano a bordo del barco.

Rembrandt, Cristo en la tormenta en el lago de Galilea, 1633 Rembrandt, Cristo en la tormenta en el lago de Galilea, 1633
Eugenio Delacroix, Cristo en el mar de Galilea, 1854 Eugenio Delacroix, Cristo en el mar de Galilea, 1854
Jan The Elder Brueghel, Cristo en la tormenta en el mar de Galilea Jan The Elder Brueghel, Cristo en la tormenta en el mar de Galilea

Etapa 9 Alimentando a los 5000

La alimentación de los cinco mil, a menudo denominada el milagro de los panes y los peces, ocurrió después de la muerte de Juan el Bautista. Conmovido por el acontecimiento, Jesús se retiró al campo, para caminar, dejar vagar su mente y llorar la muerte. La multitud que lo seguía ascendía a miles, tal era su creciente influencia, y al caer la noche se dieron cuenta de que se habían olvidado de llevar comida. La pintura manierista de la historia de Pedro Orrente muestra el momento en que la multitud de seguidores se dividió en grupos de 50, después del cual Jesús hizo balance de la poca comida que llevaban consigo; unas hogazas de pan y dos pescados. El Milagro de los panes y los peces de Tintoretto revela el momento en que Jesús ofreció el alimento al cielo y logró dividirlo entre los cinco mil, saliendo todos con el estómago lleno. Debido a su simplicidad, ética de compartir y racionar todo lo que la comunidad puede ofrecer, la alimentación de los cinco mil a menudo se enseña a los niños como una lección de los beneficios de la cohesión comunitaria.

Pedro Orrente, El milagro de los panes y los peces, 1613 Pedro Orrente, El milagro de los panes y los peces, 1613
Tintoretto, El milagro de los panes y los peces 1545 Tintoretto, El milagro de los panes y los peces 1545
William Brassey Hole, Alimentando a la multitud, década de 1890 William Brassey Hole, Alimentando a la multitud, década de 1890

Etapa 10 Resucitando a Lázaro

Sin duda, el milagro más espectacular y memorable de Jesús es la resurrección de Lázaro de entre los muertos. Lázaro, uno de los seguidores más queridos de Jesús, había caído enfermo y los discípulos partieron para atenderlo en su pueblo cercano. Sin embargo, Jesús decidió esperar, para que Dios esté satisfecho de que su plan no fue interrumpido. Cuando llegaron, Lázaro ya había muerto y había sido sepultado. Llorando por la pérdida de su amigo y discípulo, Jesús ordenó que se quitara la piedra que cubría su tumba. A pesar del olor a muerte, un hombre salió de la tumba y se levantó de la tumba. La interpretación de Rembrandt tiene una carga ligeramente más emocional que gran parte de su obra posterior, mientras que Vincent Van Gogh, en una de sus raras pinturas bíblicas, toma la versión de Rembrandt y la transforma en una visión de belleza rústica y campesina. Naturalmente, el estilo cinematográfico de Carvaggio se centra en el cuerpo inerte y las manos sin vida atrapadas entre la magia de la vida y las frías garras de la tumba.

Rembrandt, La resurrección de Lázaro c. 1630 Rembrandt, La resurrección de Lázaro c. 1630
Vincent Van Gogh, La resurrección de Lázaro (según Rembrandt), 1889-90 Vincent Van Gogh, La resurrección de Lázaro (según Rembrandt), 1889-90
Caravaggio, La resurrección de Lázaro, 1609 Caravaggio, La resurrección de Lázaro, 1609

Etapa 11 Entrada a Jerusalén

Habiendo acumulado un número significativo de seguidores, la entrada triunfal de Jesús en Jerusalén marca el capítulo final de la vida de Cristo antes de la Última Cena, su juicio y su crucifixión. La pintura de Benjamin Robert Haydon del momento en que Jesús entra en la ciudad se centra, al igual que la fiesta cristiana del Domingo de Ramos, en la bienvenida brindada tanto por sus discípulos como por los ciudadanos de Jerusalén. En la inmensa visión de la entrada de Juan Martín, la imposición de palmas frente a Jesús y el suavizado del asiento de su asno con mantos se reducen al estado de mero detalle. Más importante para el artista es el tamaño y la grandeza de la ciudad misma, que parece envolver a los fieles y tragarlos enteros. La pintura expresionista de la escena de Wilhelm Morgner da una impresión completamente diferente, centrándose en cambio en la cruda carga emocional de este evento religioso sísmico.

Benjamin Robert Haydon, La entrada de Cristo en Jerusalén 1814-20 Benjamin Robert Haydon, La entrada de Cristo en Jerusalén 1814-20
Juan Martín, La entrada de Cristo en Jerusalén, 1835 Juan Martín, La entrada de Cristo en Jerusalén, 1835
Wilhelm Morgner, Entrada en Jerusalén (Einzug en Jerusalén), 1912 Wilhelm Morgner, Entrada en Jerusalén (Einzug en Jerusalén), 1912

Etapa 12 La Última Cena

Después de la entrada triunfal en Jerusalén y de un escándalo en el Templo en el que Jesús volcó las mesas de los prestamistas que se habían instalado en el atrio sagrado, llegó el momento más conmovedor y siniestro de toda la vida de Cristo. Para su última comida, Jesús y sus discípulos, todos judíos practicantes, celebraron la comida de Pascua. Fue aquí donde comenzó la Eucaristía, el ritual que se sigue hasta el día de hoy donde los cristianos parten el pan y beben vino como sustitutos del cuerpo y la sangre de Cristo. Sintiendo que el fin de su vida estaba cerca; Jesús se despidió y lavó los pies de sus discípulos en señal de humildad y respeto. Tanto El Greco como Leonardo Da Vinci se centran en la unidad dinámica de la congregación, sus roles conflictivos en lo que estaba por venir y la predicción tanto de la traición de Judas como de la negación de Pedro. Un evento lleno de intriga, tristeza y valentía, La Última Cena es un momento crucial en la historia del Nuevo Testamento.

Ford Madox Brown, Jesús lavando los pies de Pedro en la Última Cena, 1852-6 Ford Madox Brown, Jesús lavando los pies de Pedro en la Última Cena, 1852-6
El Greco, La Última Cena c. 1568 El Greco, La Última Cena c. 1568
Leonardo Da Vinci, La última cena, 1498 Leonardo Da Vinci, La última cena, 1498

Etapa 13 La Traición

Tras el arresto y encarcelamiento de Jesús, los transeúntes acusaron al discípulo Pedro de ser seguidor del hombre declarado enemigo de la paz. La traición de Cristo de Guercino sigue la acción cuando Jesús es llevado por centuriones romanos, riéndose y burlándose del hombre que pronto sufriría todas las torturas, pruebas y tribulaciones que la antigua Roma podría arrojarle. Poco después, Pedro cumplió la profecía de Jesús en la Última Cena y negó cualquier conocimiento del hombre. La pintura de Caravaggio equilibra magistralmente luces y sombras dramáticas para centrarse en el drama psicológico que se desarrolla en la mente de Peter. Los teólogos y los fieles han discutido durante mucho tiempo sobre la razón por la cual Judas finalmente traicionó a Jesús. Algunos argumentan que fue por dinero, que Rembrandt muestra que fue devuelto en un ataque de culpa, mientras que otros argumentan que el destino lo había predestinado a traicionar a Jesús como parte del plan de Dios.

1px;">
Guercino, La traición de Cristo 1621 Guercino, La traición de Cristo 1621
Caravaggio, La negación de San Pedro, 1610 Caravaggio, La negación de San Pedro, 1610
Rembrandt, Judas arrepentido devolviendo las piezas de plata, 1629 Rembrandt, Judas arrepentido devolviendo las piezas de plata, 1629

Etapa 14 El juicio

Inmediatamente después de su arresto, Jesús es comprado ante Caifás, el sumo sacerdote del templo judío. Tras un breve interrogatorio, Cristo admite considerarse Hijo de Dios y se decide que será juzgado por blasfemia. Gerrit Van Honthorst representa hábilmente este interrogatorio al estilo de Caravaggio, con un dramático juego de luces y sombras. La mirada tranquila y benévola de Jesús se encuentra con la de una versión más humanizada del sumo sacerdote de lo que muchas interpretaciones asumen. Después de todo, Caifás, al igual que Jesús, era simplemente un hombre que protegía su propia fe. Después del interrogatorio y de una serie de palizas salvajes, Jesús fue llevado ante el prefecto romano Poncio Pilato. Este encuentro entre estas dos figuras ha sembrado la semilla de muchas interpretaciones literarias y artísticas notables. El lienzo de Jacek Malczewski logra un equilibrio entre el naturalismo y la caricatura absoluta, y presenta al romano como un farsante ignorante y acicalado. La pintura de Nikolai Nikolaevich Ge se ajusta más estrechamente a algunas de las personificaciones más recientes de Pilato. A pesar de ser responsable de la crucifixión de Cristo, Pilato es representado como pensativo pero arrogante, ligado a su cargo pero extrañamente comprensivo con Cristo; en resumen, una riqueza de contradicciones para que las mentes artísticas las interpreten.

Gerrit Van Honthorst, Cristo ante el sumo sacerdote, 1617 Gerrit Van Honthorst, Cristo ante el sumo sacerdote, 1617
Jacek Malczewski, Cristo con Pilato, 1910 Jacek Malczewski, Cristo con Pilato, 1910
Nikolai Nikolaevich Ge (Gay), (Quod Est Veritas?) ¿Qué es la verdad? Cristo y Pilato, 1890 Nikolai Nikolaevich Ge (Gay), (Quod Est Veritas?) ¿Qué es la verdad? Cristo y Pilato, 1890

Crucifixión etapa 15

Lo que ocurrió después está grabado en la imaginación de muchos, ya que ha sido reproducido en la cultura popular, los objetos devocionales y las enseñanzas religiosas. Posiblemente el más sorprendente e imaginativo de todos los pintores cristianos, San Lucas de Francisco de Zurbarán como pintor ante Cristo en la cruz, proporciona una poderosa alegoría de la relación que los artistas han tenido con la Crucifixión. San Lucas está representado en la base de la cruz, posiblemente con Zurbarán pintándose a sí mismo en la figura a modo de autorretrato, admirando y contemplando la presencia de Jesús como si fuera un objeto estético. Es un concepto preocupante, pero relevante para la forma en que la Cruz se ha convertido en un símbolo del cristianismo mismo. El lienzo de Juan Martín se centra en el pequeño monte del Calvario donde tuvo lugar la crucifixión. Martin fue durante toda su vida un proveedor de imágenes de lo Sublime, es decir, los poderes impresionantes y temibles de la naturaleza. Su escena de la Crucifixión se centra en la tormenta de truenos y relámpagos que estalló después de que Jesús exhaló su último suspiro.

Francisco De Zurbarán, San Lucas como pintor ante Cristo en la cruz, 1660 Francisco De Zurbarán, San Lucas como pintor ante Cristo en la cruz, 1660
Juan Martín, Calvario, 1830-40 Juan Martín, Calvario, 1830-40
Jusepe de Ribera, Calvario 1616-18 Jusepe de Ribera, Calvario 1616-18

Etapa 16 Resurrección

Una de las pinturas más cautivadoras de todo el canon del Nuevo Testamento es la que representa el momento en que la noticia de la resurrección de Cristo llegó a los discípulos Pedro y Juan. Jesús incluso aparece en la pintura, pero las manos fuertemente entrelazadas y el movimiento dinámico hacia adelante de la pareja encapsulan perfectamente la sensación de anticipación, ansiedad y asombro ante la noticia que posiblemente no podría ser cierta. La obra maestra de Eugene Burnand de 1898 es un triunfo de la pintura bíblica. Con su sentido de humildad y moderación, resume perfectamente este momento milagroso en la historia cristiana. La Resurrección de El Greco es un poco menos reservada, pero lo que le falta en sutileza lo compensa con creces con su estilo visual absolutamente único. Con un dinamismo y un vigor incomparables, la Resurrección se presenta como una alegoría visual de un movimiento expresivo casi coreográfico, como el clímax de una secuencia de ballet o danza. Finalmente, la obra icónica de Caravaggio retrata la acción inmediatamente posterior a la Resurrección, cuando se anima al incrédulo discípulo Tomás a clavar sus figuras en la herida abierta para demostrarse a sí mismo el milagro de la resurrección de Cristo.

Eugene Burnand, Los discípulos Pedro y Juan corriendo hacia el sepulcro en la mañana de la resurrección, 1898 Eugene Burnand, Los discípulos Pedro y Juan corriendo hacia el sepulcro en la mañana de la resurrección, 1898
El Greco, La Resurrección 1596-1600 El Greco, La Resurrección 1596-1600
Caravaggio, Tomás el incrédulo, 1601-2 Caravaggio, Tomás el incrédulo, 1601-2

Etapa 17 Cena en Emaús

Caravaggio, siempre deseoso de aprovechar temas bíblicos ricos en tensión dramática para poner a prueba sus ingeniosas técnicas de iluminación expresiva, eligió pintar la escena inmediatamente después de los dedos del incrédulo Tomás. Después de la crucifixión y el entierro de Jesús, dos ex discípulos caminaban hacia una aldea en las afueras de Jerusalén. Después de escuchar el rumor de que la tumba de Jesús fue descubierta vacía, se encuentran sentados a comer con un extraño extrañamente familiar. Caravaggio captura el momento en que los seguidores reconocen el rostro de Cristo, y su sorpresa y asombro seguramente harán que un cuenco de fruta tambaleante se estrelle contra el suelo. La versión de Rembrandt es profundamente humanista y reveladora, con el acontecimiento proyectado bajo el resplandor de una luz etérea y celestial. Diego Velázquez ofrece una descripción completamente diferente y refrescante. A menudo se pensaba que su escena de la cocina con la cena en Emaús era una representación conmovedora de una trabajadora doméstica que normalmente no es el tema de una obra de arte, sacada de la historia y puesta en el ojo del espectador. No fue hasta principios del siglo XX que una limpieza de la pintura reveló una representación de la Cena de Emaús en el lado derecho, lo que hizo aún más conmovedora la resurrección de esta figura humilde y trabajadora.

Caravaggio, La cena de Emaús, 1601 Caravaggio, La cena de Emaús, 1601
Rembrandt, Cena en Emaús 1648 Rembrandt, Cena en Emaús 1648
Diego Velázquez, Escena de cocina con la Cena en Emaús c. 1618 Diego Velázquez, Escena de cocina con la Cena en Emaús c. 1618

Ascensión de la etapa 18

La Ascensión de Jesús al cielo es una de las imágenes más populares del Nuevo Testamento y adorna paredes, techos y altares de iglesias de todo el mundo. Después de cuarenta días después de la Resurrección, Jesús ascendió al cielo en presencia de los once apóstoles que le quedaban y prometió regresar otra vez. La interpretación neoclásica de Anton Raphael Meng combina elementos del estilo manierista renacentista y estudios recientes de escultura clásica. El estilo neoclásico de Mengs sería exportado al Nuevo Mundo de América del Sur y estaría estrechamente asociado con la iconografía del cristianismo latinoamericano. Como de costumbre, la combinación de colores, las posturas figurativas y el drama expresivo de El Greco son una ley en sí mismos, y representan a Dios mismo tomando a Jesús en sus brazos y levantándolo por encima de las nubes. El único correlato cercano a la visión etérea y onírica de El Greco es una evocación particularmente conmovedora de Rembrandt, que permite que un arco cada vez más amplio de luz celestial ilumine la miseria y la oscuridad de la tierra.

Anton Raphael Mengs, Ascensión de Cristo, década de 1760 Anton Raphael Mengs, Ascensión de Cristo, década de 1760
El Greco, Ascensión de Jesús, 1577 El Greco, Ascensión de Jesús, 1577
Rembrandt, La ascensión de Cristo, 1636 Rembrandt, La ascensión de Cristo, 1636

Etapa 19 La conversión de Pablo

Mientras los apóstoles continuaban su vida mortal después de la ascensión de Jesús, poco sabían que un hombre que no había conocido a Jesús durante su vida ni había escuchado sus enseñanzas, e incluso había perseguido a los primeros seguidores de Cristo, se convertiría en una de las figuras más importantes. en la difusión del cristianismo primitivo. En el camino a Damasco, Pablo experimentó una revelación divina, un espasmo de convulsión corporal que lo impulsó del caballo. Escuchó una voz incorpórea, al igual que sus compañeros de viaje, y una luz cegadora le mostró el verdadero camino. Así como los teólogos discuten sobre la naturaleza del sonido, la luz y el ataque que se apoderó de él, también los artistas han disfrutado agregando su propia voz al interpretar este evento sísmico. La versión de Taddeo Zuccari es una suntuosa visión manierista de equilibrio, armonía y lógica narrativa. La Conversión de San Pablo de Lodovico Carracci presta más atención al caballo que corcovea y al entorno claramente cotidiano de la conversión. Finalmente, la versión de Caravaggio está, como siempre, bañada por la luz del drama humano y la revelación. El Paul de Caravaggio está completamente abrumado, en un gesto naturalista que parece ser un gesto tanto de defensa como de alegría.

Taddeo Zuccari, La conversión de San Pablo, 1564-6 Taddeo Zuccari, La conversión de San Pablo, 1564-6
l.Html.jpg" alt="Lodovico Carracci, La conversión de San Pablo, 1587-8"> Lodovico Carracci, La conversión de San Pablo, 1587-8
Caravaggio, La conversión de San Pablo, 1601 Caravaggio, La conversión de San Pablo, 1601

Revelaciones de la etapa 20

El último libro del Nuevo Testamento trata de las Revelaciones de la Segunda Venida prometida por Jesús en su ascensión. Predice el fin apocalíptico de los días, gran parte del cual generaciones de cristianos intentarían poner en marcha ellos mismos para acelerar la Segunda Venida. Ciertamente, los artistas han disfrutado recurriendo a las profecías del Libro de las Revelaciones más que posiblemente a cualquier otra sección del canon bíblico. El apocalipsis fue uno de los temas favoritos del pintor romántico John Martin, quien utilizó sus amplios estudios sobre el poder imparable de la naturaleza para crear una escena de destrucción casi inimaginable. Hieronymous Bosch, el profeta de lo macabro y lo espantoso del siglo XV, imaginó el ascenso de aquellos considerados aptos para entrar al cielo después de la Segunda Venida. Sus números son literalmente canalizados a través de una abertura en la oscuridad que envuelve la tierra. Hans Memling, como muchos artistas de la época medieval en adelante, recibió el encargo de decorar un retablo con una interpretación del Juicio Final, creando una visión desgarradora pero armoniosa de la Segunda Venida de Jesucristo.

John Martin, Gran día de su ira 1851-53 John Martin, Gran día de su ira 1851-53
Hieronymous Bosch, Paraíso: Ascenso de los bienaventurados, 1490 Hieronymous Bosch, Paraíso: Ascenso de los bienaventurados, 1490
Hans Memling, Tríptico del Juicio Final (abierto) 1467-71 Hans Memling, Tríptico del Juicio Final (abierto) 1467-71
"59">