Manierismo Pinturas

Es difícil precisar la fecha exacta en la que terminó el Renacimiento y comenzó el Manierismo. En realidad, como en muchos períodos de transición de un movimiento a otro, se produjo de forma gradual. En 1510, algunos artistas de Florencia y Roma ya presentaban características del manierismo temprano en sus obras, incluso con el Renacimiento todavía en juego.

Este movimiento fue criticado por parecer demasiado artificial y extraño; esto se debe a que los artistas comenzaron a buscar valores diferentes a los apreciados durante el Renacimiento . El capitalismo está en marcha y se está formando el concepto del valor del trabajo y del valor de las mercancías. Esto da miedo, y este miedo se nota en el arte de los manieristas, teniendo muchos paisajes que aluden a escenarios oníricos, o de pesadilla, como en El quinto sello del Apocalipsis , de El Greco .

Las figuras eran exageradas, con extremidades intencionalmente alargadas, posturas distorsionadas y expresivas. Los colores utilizados eran fuertes y se estaban elaborando estilos de composición poco comunes. Todos estos elementos trajeron una sensación de extrañamiento, rompiendo el bienestar automático que la pintura debía brindar al público.

El término manierismo proviene del italiano maniera y era visto como un término peyorativo. Se pensaba que los artistas intentaron copiar a los maestros clásicos para alcanzar la excelencia, pero fracasaron porque sólo son capaces de hacerlo a su propia “manera”. Por supuesto, esto es lo que dirían los críticos de la época, pero en realidad los artistas no estaban interesados ​​en representar el mundo de una manera naturalista, como durante el Renacimiento .

La Virgen del cuello largo es un gran ejemplo de las proporciones incómodas utilizadas durante esta época. Parmigianino trabaja la luz, la sombra y el color con gran técnica, provocando así un contraste con el uso de proporciones exageradas. La figura central, Madonna , parece tener la parte inferior del cuerpo más grande que su torso, hombros y cabeza, lo que posteriormente hace que el grupo de ángeles junto a ella parezca pequeño. Pero la figura más llamativa de esta pintura es el niño Jesús , con las piernas y el torso fornidos y estirados.

En 1525, el rey Francisco I fundó el primer espacio especialmente para artistas manieristas llamado Escuela de Fontainebleau . Durante este movimiento, cada artista desarrolló su entidad, sin dejar de seguir la idea principal general del movimiento artístico. Los artistas barrocos también continuaron trabajando individualmente.

Cada artista trabajó en su nivel de distorsión, por ejemplo, podemos comparar la escultura El rapto de las sabinas de Giambologna , con el cuadro Laocoonte de El Greco . Ambos retratan mitos clásicos pero con una sensación diferente. La estatua de Giambologna es limpia y trágica al mismo tiempo. Capta con gracia la desesperación y la desesperación. Mientras que, por otro lado, la pintura de Greco es exuberantemente dramática. Utilizando una intensa luz blanca para resaltar los cuerpos y una forma única de distribuir las figuras en el espacio, Greco representa la desesperación de una manera completamente diferente.

La obra de El Greco tiene un sentimiento naturalmente dramático y fue capaz de hacer maravillas con el concepto de contraste; colores claros y oscuros, cálidos y fríos, entornos contrastantes y más. Esto se puede comprobar en el óleo El entierro del conde Orgaz , donde divide el cuadro en dos partes. La mitad superior representa el cielo al estilo manierista, con figuras religiosas distorsionadas representadas con colores fantásticos y una composición peculiar. La mitad inferior refleja los primeros estudios de El Greco sobre el arte bizantino . Las figuras son más naturales en comparación con la otra mitad de la pintura y casi parecen esculturas. Ilustra a personajes importantes de Toledo entre la multitud, mezclándose con rostros desconocidos. Se presta especial atención a los detalles en la vestimenta, especialmente en la de los santos que realizan el entierro.

Otro cuadro digno de mención es la Alegoría llamada Venus, Cupido, la Locura y el Tiempo , del poeta, pintor e intelectual Agnolo Bronzino . Esta pieza encargada tardó diez años en concluirse y causó conmoción al ser vista por el público. Se basó en el poema erótico de Petrarca , y Bronzino lo deja claro con el beso incestuoso entre Venus y Cupido . Esta parábola narrativa aporta un erotismo casi pacífico. Utiliza modelos vivos como estudio y referencia para esta pieza, pero aún retrata manos y pies extendidos, como se esperaba de un pintor manierista. Con un refinamiento perfecto, Bronzino logró hacer que la piel de Venus brillara como lo haría una escultura de mármol clásica.

El manierismo aleja el arte de la naturaleza y lo acerca a una nueva mirada a la espiritualidad. La humanidad está aprendiendo a mirarse a sí misma, en cuerpo y alma. Interiorizar, experimentar la soledad. Esto plantea muchas cuestiones individuales y conecta a las personas con su fe.